transfeminist festival of performing arts
Non esiste un modo di pensare al BIG quest’anno che non si riferisca al disordine. Il disordine non come condizione patologica del mondo ma, al contrario, come necessaria risposta ad un ordine che cade pesante dall’alto, inquina l’aria e si minaccia imperioso, determinato a schiacciare a terra ogni slancio di civile libertà, ogni bisogno espressivo di fermento intellettuale e politico, ogni naturale e artificiosa ribellione alla disciplina dell’omologazione e del colonialismo fisico e culturale.
Il disordine come scommessa: un caos da attraversare con i nostri corpi e le nostre fervide immaginazioni, col rischio di non uscirne illesə e la sfida di curare reciprocamente le ferite sanguinanti del mondo; con il coraggio militante di chi confida nell’aggregazione, nella follia generatrice di una risposta organica, nella visione comune di un’alternativa possibile.
Niente ricaccia il buio nell’oblio meglio di un’epifania di luce nuova, di una sovversione dei codici che vibri e travolga ogni squallido tentativo di imporre un predominio culturale sulle nostre comunità riottose e maleducate. Non si può sentire finché si obbedisce, e noi vogliamo confondere le frequenze del nostro quotidiano con quelle di chi è oppresso a più livelli: se niente ha senso, tutto ha senso. E l’arte, nel caos, è l’unico motore di un’immaginazione necessaria
Promettiamo contraddizioni, contaminazioni, rumore.
There’s no way to think of BIG this year without referring to disorder.
Not disorder as the pathological state of the world, but rather as a necessary response to an order that falls heavily from above — polluting the air, looming imperiously, determined to crush every surge of civic freedom, every expressive need for intellectual and political ferment, every natural or artful rebellion against the discipline of conformity and the colonialism of body and culture.
Disorder as a wager: a chaos to be crossed with our bodies and our fervent imaginations, at the risk of emerging wounded — yet with the challenge of tending, together, to the world’s bleeding scars. With the militant courage of those who believe in gathering, in the generative madness of an organic response, in the shared vision of a possible alternative.
Nothing casts darkness into oblivion better than an epiphany of new light — a subversion of codes that vibrates and overwhelms every squalid attempt to impose cultural dominance upon our unruly, unapologetic communities.
One cannot feel while obeying, and we want to blend the frequencies of our everyday lives with those of the multiply oppressed: if nothing makes sense, then everything does.
And art, within chaos, is the only engine of a necessary imagination.
We promise contradictions, contaminations, noise.
31. OCT. 2025 ⎯ h 17:00
SPAZIO 13
via Colonnello De Cristoforis, 8
⎯ public program
31. OCT. 2025 ⎯ h 21:00
TEATRO KISMET
Strada S. Giorgio Martire, 22F
⎯ performance D / Italian premiere
Con il patrocinio dell’Ambasciata di Cipro in Italia
Boudica è un progetto che punta a rivoluzionare la scena musicale elettronica e a renderla più inclusiva e accessibile.
Il workshop, condotto da Samantha Togni, DJ e producer fondatrice di Boudica nel 2019, si rivolge a donne, persone non binarie e trans* che vogliono immergersi nell’arte del DJing.
Start From Scratch è un’iniziativa di AlphaTheta Corporation che, attraverso il marchio Pioneer DJ, offre alle comunità sottorappresentate accesso gratuito all’industria del DJing.Il workshop è gratuito e dura 2 ore. Non è necessaria alcuna esperienza.
Per informazioni: prenotazionibig@gmail.com
Boudica is a project aiming to revolutionize the electronic music scene, making it more inclusive and accessible.
The workshop, led by Samantha Togni — DJ, producer, and founder of Boudica in 2019 — is designed for women, non-binary, and trans* people who want to dive into the art of DJing.
Start From Scratch is an initiative by AlphaTheta Corporation which, through its Pioneer DJ brand, provides underrepresented communities with free access to the DJing industry.
The workshop is free and lasts 2 hours. No prior experience is required.
Un gruppo di giovani performer è in piedi, nudo, inerme, fissa il pubblico e respira. Il respiro cresce, gonfia il petto, deforma i volti, diventa un verso, un suono, accenna un ritmo, ripiega la postura, trasforma il corpo. Un istinto vitale essenziale, portato all’estremo, muta le condizioni, le forme, le relazioni e si apre a una pluralità di significati e contrapposizioni: corpo/suono, parola/verso, umano/post-umano, persone/bestie, artistə/pubblico, nuovo/vecchio. In questo nuovo lavoro, Alexis Vassiliou prosegue la ricerca iniziata con il cortometraggio ΕGAΤΑ (2020) e con la performance SAKRA (2022), tentando ancora una volta di ricostruire un rituale poetico, ritmico, acustico e corporeo sulle origini del linguaggio, delle emozioni e dell’esperienza umana.
Alexis Vassiliou (Cipro, 1978) ha studiato danza al Trinity Laban Conservatoire of Music and Dance, musica all’Università di East Anglia e composizione per film e teatro all’Università di Bristol. Nel 2008 ha ricevuto la borsa di studio DanceWeb nell’ambito del 25° ImpulsTanz – Vienna International Dance Festival. È stato artista in residenza nei programmi europei E-motional Bodies and Cities (2012) e Act Your Age (2013). Con Please Be Gentle (2014) è stato tra i venti artisti finalisti della rete Aerowaves. Le sue opere sono state presentate in numerosi festival internazionali. Dal 2016 al 2023 è stato direttore generale e artistico del Dance House Lemesos; dall’ottobre 2023 è vicedirettore del Teatro Rialto.
A group of young performers stands naked and unarmed, staring at the audience, breathing.
The breath grows, swells the chest, distorts the faces, becomes a verse, a sound, hints at a rhythm, folds the posture, transforms the body.
A vital, essential instinct — pushed to the limit — alters conditions, shapes, and relationships, opening itself to a multitude of meanings and oppositions: body/sound, word/cry, human/post-human, people/beasts, artist/audience, new/old.
In this new work, Alexis Vassiliou continues the research begun with the short film ΕGAΤΑ (2020) and the performance SAKRA (2022), once again attempting to reconstruct a poetic, rhythmic, acoustic, and bodily ritual on the origins of language, emotion, and human experience.
Alexis Vassiliou (Cyprus, 1978) studied dance at Trinity Laban Conservatoire of Music and Dance, music at the University of East Anglia, and composition for film and theatre at the University of Bristol.
In 2008 he received the DanceWeb scholarship as part of the 25th ImPulsTanz – Vienna International Dance Festival. He was an artist-in-residence in the European programs E-motional Bodies and Cities (2012) and Act Your Age (2013).
With Please Be Gentle (2014) he was among the twenty finalist artists of the Aerowaves network. His works have been presented in numerous international festivals.
From 2016 to 2023 he was General and Artistic Director of Dance House Lemesos; since October 2023 he has been Deputy Director of the Rialto Theatre.
Concept, direzione, coreografia ⎯ Concept, Direction, Choreography: Alexis Vassiliou / Performers: Arianna Marcoulides, Loukia Pieridou, Βianca Casaburi, Rafael Candela, Hubert Mielke / Composizione e sviluppo musicale ⎯ Music Composition and Development: Alexis Vassiliou / Composizione, orchestrazione e sound design ⎯ Composition, Orchestration and Sound Design: Marianna Michael / Voice coach: Cοnstantine Andronikou / Light design ⎯ Lighting Design: Aleksandar Jotovic / Foto ⎯ Photography: Stelios Kallinikou / Graphic design: Philippos Vassiliades / Main sponsor: Department of Contemporary Culture – Deputy Ministry of Culture, Cyprus / Produzione ⎯ Production: Nothing to Declare
31. OCT. 2025 ⎯ h 23:00
TEATRO KISMET
Strada S. Giorgio Martire, 22F
⎯ resident DJ Gegen (Berlino)
Samantha Togni è una DJ, producer e promoter di fama internazionale, che ha suonato in super-club da Tokyo a Los Angeles e condiviso il palco con artistə come Paula Temple, Ancient Methods, Slam, Magda, Miss Kittin e Lady Starlight. Il suo lavoro ha ricevuto supporto da Adidas Originals, Dazed Korea, Mixmag, Red Bull, DJ Mag, Wonderland e SoundCloud, che l’hanno definita “the DJ to watch”. Resident DJ di GEGEN (Berlino), Torture Garden e Inferno (Londra), sta per debuttare in Colombia con Industrial Girl Music. I suoi prossimi EP usciranno su Lobster Theremin, Pls.UK, RAW (con remix di Manni Dee e Perc) e Stay Up Forever; lancerà inoltre due compilation VA firmate Boudica, con artistə come Nur Jaber, Yazzus, Minimal Violence e Wanton Witch. Ha in programma DJ mix per Voxnox, BCCO, Slam e il debutto su HÖR.
È fondatrice di Boudica, piattaforma londinese che comprende un’etichetta, un party, un radio show su Threads e una conferenza musicale a Freemasons’ Hall, dedicata a donne, persone trans* e non binarie. È anche ideatrice di Flesh, il primo festival LGBTQ+ con campeggio ed elettronica nel Regno Unito, con partner digitali come RA, Dazed & Confused, Crack, The Face e Notion.
Samantha Togni is an internationally acclaimed DJ, producer, and promoter who has played in super-clubs from Tokyo to Los Angeles, sharing the stage with artists such as Paula Temple, Ancient Methods, Slam, Magda, Miss Kittin, and Lady Starlight. Her work has been supported by Adidas Originals, Dazed Korea, Mixmag, Red Bull, DJ Mag, Wonderland, and SoundCloud — which named her “the DJ to watch.”
A resident DJ at GEGEN (Berlin), Torture Garden, and Inferno (London), she is about to make her debut in Colombia with Industrial Girl Music. Her upcoming EPs will be released on Lobster Theremin, Pls.UK, RAW (with remixes by Manni Dee and Perc), and Stay Up Forever. She is also launching two Boudica-branded VA compilations featuring artists such as Nur Jaber, Yazzus, Minimal Violence, and Wanton Witch, and has upcoming DJ mixes for Voxnox, BCCO, and Slam, alongside her debut on HÖR.
She is the founder of Boudica, a London-based platform encompassing a label, a party, a radio show on Threads, and a music conference at Freemasons’ Hall, dedicated to women, trans*, and non-binary people. She is also the creator of Flesh, the UK’s first LGBTQ+ electronic music camping festival, with digital partners including RA, Dazed & Confused, Crack, The Face, and Notion.
⎯ opening set
Nata in provincia di Bari e figlia d’arte, Marghe inizia la sua formazione musicale dapprima con la batteria, quindi con voce, pianoforte e basso. Presto inizia a sperimentare con la musica elettronica, influenzata dall’ascolto di artisti come Depeche Mode. Costantemente aperta alla ricerca, nei suoi set combina ritmo energico, kick e atmosfere EDM.
Hailing from the province of Bari and a daughter of art, Marghe began her musical training with drums, later expanding to voice, piano, and bass. She soon started experimenting with electronic music, influenced by artists such as Depeche Mode. Constantly driven by exploration, her sets blend energetic rhythms, powerful kicks, and immersive EDM atmospheres.
a cura di Pamela Diamante
04. NOV. 2025 ⎯ h 11:00
PINACOTECA METROPOLITANA DI BARI “CORRADO GIAQUINTO”
via Spalato, 19 – Lungomare N. Sauro (IV piano)
⎯ giornata studio
Berna Reale (nata nel 1965 a Belém do Pará, Brasile) è una delle più rilevanti artiste performative contemporanee del panorama brasiliano.
Il suo lavoro si fonda sull’utilizzo del corpo come elemento estetico e politico centrale, trasformato in strumento di denuncia delle ingiustizie e delle tensioni sociali. Le sue azioni e le sue immagini affrontano con lucidità critica il tema della violenza, esplorandone tanto le dimensioni simboliche quanto quelle fisiche, senza eludere l’ombra della censura, che diventa parte integrante della riflessione sull’importanza dell’immagine nella difesa della libertà di pensiero.
La forza delle opere di Berna Reale risiede nella capacità di generare un’attrazione immediata, contrastata da un sentimento di repulsione: un’ambivalenza che riflette l’ironia della società brasiliana divisa tra fascinazione e disgusto per la violenza.
Giuliana Schiavone è storica dell’arte e docente con un progetto di dottorato in Studi Interdisciplinari di Genere presso la Universidad de Alcalá di Madrid.
Berna Reale (born in 1965 in Belém do Pará, Brazil) is one of the most significant contemporary performance artists on the Brazilian scene.
Her work is grounded in the use of the body as a central aesthetic and political element, transformed into an instrument for denouncing injustice and social tension. Her actions and images confront the theme of violence with critical clarity, exploring both its symbolic and physical dimensions, without evading the shadow of censorship — which becomes an integral part of her reflection on the importance of the image in defending freedom of thought.
The power of Berna Reale’s work lies in her ability to generate immediate attraction, countered by a feeling of repulsion: an ambivalence that mirrors the irony of Brazilian society, suspended between fascination and disgust for violence.
Giuliana Schiavone is an art historian and lecturer pursuing a PhD in Interdisciplinary Gender Studies at the Universidad de Alcalá in Madrid.
04. NOV. 2025 ⎯ h 19:00
PINACOTECA METROPOLITANA DI BARI “CORRADO GIAQUINTO”
via Spalato, 19 – Lungomare N. Sauro (IV piano)
⎯ exhibition opening
L’esposizione riunisce una selezione di opere video, dalle produzioni storiche alle più recenti, che indagano in modo critico le dinamiche della violenza esercitata dal potere, restituendone la dimensione estetica, simbolica e sociale. Tra i lavori presentati spicca Americano (2013), in cui l’artista, correndo tra le celle di un carcere con una torcia olimpica, rievoca la figura di Prometeo, simbolo emblematico dei diritti e della libertà umana che egli donò agli uomini. In Palomo (2012) – una delle opere più iconiche dell’artista, presentata alla 56ª Biennale di Venezia, Padiglione Brasile – Reale incarna la figura del secondo cavaliere dell’Apocalisse: con museruola, uniforme poliziesca e un cavallo rosso scarlatto, genera una tensione estetica che mette in discussione l’idea di sicurezza su cui si fondano alcune istituzioni, in particolare la polizia. In Cantando na Chuva (2014), l’artista danza il tip tap su un lungo tappeto rosso disteso in un’enorme discarica, mentre in Rosa púrpura (2014) guida un’azione corale insieme a cinquanta studentesse che sfilano per le strade di Belém con protesi orali che richiamano la cavità delle bambole gonfiabili. Estetica della Violenza offre così un’occasione di approfondimento sul linguaggio artistico di Berna Reale, la cui pratica performativa e visiva esplora con lucidità e coraggio i rapporti tra corpo, potere e violenza.
La mostra sarà visitabile fino al 5 dicembre
dal lunedì al giovedì: h. 9:00-20:00
dal venerdì alla domenica: h. 9:00 – 21:00
(La biglietteria chiude 30 minuti prima)
Biglietti
Intero € 5,00 / ridotto € 2,00
The exhibition brings together a selection of video works — from early productions to more recent ones — that critically explore the dynamics of violence exercised by power, revealing its aesthetic, symbolic, and social dimensions.
Among the works presented, Americano (2013) stands out: in this piece, the artist runs through the cells of a prison carrying an Olympic torch, evoking the figure of Prometheus — the emblematic symbol of human rights and the freedom he bestowed upon humankind. In Palomo (2012) — one of Reale’s most iconic works, presented at the 56th Venice Biennale, Brazilian Pavilion — the artist embodies the figure of the second horseman of the Apocalypse: wearing a muzzle, a police uniform, and mounted on a bright red horse, she creates an aesthetic tension that questions the very idea of security upon which certain institutions, particularly the police, are founded. In Cantando na Chuva (2014), the artist performs tap dance on a long red carpet laid out across a vast landfill, while in Rosa púrpura (2014) she leads a collective action with fifty students parading through the streets of Belém wearing oral prosthetics recalling the hollow mouths of inflatable dolls.
Estetica della Violenza (Aesthetics of Violence) thus offers an opportunity to delve into Berna Reale’s artistic language, whose performative and visual practice explores with clarity and courage the complex relationships between body, power, and violence.
The exhibition will be open until December 5
Opening hours
Monday–Thursday: 9:00 am – 8:00 pm
Friday–Sunday: 9:00 am – 9:00 pm
(Ticket office closes 30 minutes before closing time)
Tickets
Full price €5.00 / Reduced €2.00
05. NOV. 2025 ⎯ h 21:00
TEATRO KISMET
Strada S. Giorgio Martire, 22F
⎯ performance D / Italian premiere
06. NOV. 2025 ⎯ h 21:00
TEATRO KISMET
Strada S. Giorgio Martire, 22F
⎯ performance D
In Movements of Souls (MOS), YAV intreccia i linguaggi dinamici della danza, della musica e della moda per creare un’esperienza unica e immersiva. L’artista ha scelto deliberatamente di non descrivere la sua opera per mettere in discussione i nostri condizionamenti e le nostre idee preconcette: spesso, infatti, ci troviamo impigliati nella difficoltà di distinguere il messaggio da chi lo veicola.
YAV invita il pubblico a interpretare liberamente la performance, per aprire un dialogo su come percepiamo e comprendiamo l’arte: MOS diventa così un’occasione per un’esperienza stratificata e personale e ci ricorda come l’arte non abbia sempre bisogno delle parole per comunicare un senso. A volte le conversazioni più profonde nascono dal non detto, dall’imprevisto, dall’ambiguità splendidamente fertile.
In Movements of Souls (MOS), YAV intertwines the dynamic languages of dance, music, and fashion to create a unique, immersive experience. The artist has deliberately chosen not to describe the work, in order to challenge our conditioning and preconceived ideas — we often struggle, after all, to separate the message from the messenger.
YAV invites the audience to interpret the performance freely, opening a dialogue on how we perceive and understand art. MOS thus becomes an opportunity for a layered, personal experience, reminding us that art does not always need words to convey meaning. Sometimes the deepest conversations arise from what is left unsaid — from the unexpected, from beautifully fertile ambiguity.
Concept, produzione, coreografia ed esecuzione ⎯ Concept, Production, Choreography and Performance: YAV / Styling: YAV / Costumi ⎯ Costumes: Bodil Ouédraogo / Musiche ⎯ Music: YAV & Safa Liron / Testi ⎯ Texts: K Yav Mbwamb & YAV / Prodotto da ⎯ Produced by: YAV
Chi acquista il biglietto per Movements of Soul (5 novembre) — tramite BIG Festival (che trasmetterà poi la richiesta a DAB) o direttamente al botteghino DAB — il biglietto ridotto “BIG Lover” al costo di € 8 per lo spettacolo DAB Eruption (6 novembre).
Accessibilità
→ ridotto → biglietto € 8
→ accompagnatore/trice → ingresso omaggio
→ per altre esigenze di accesso, scrivere a boxoffice.bigfestival@gmail.com
Those who purchase a ticket for Movements of Soul (5 November) may reserve — through BIG Festival (which will forward the request to DAB) or directly at the DAB box office — a “BIG Lover”reduced ticket priced at €8 for the DAB performance Eruption (6 November).
Accessibility
→ Reduced ticket: €8
→ accompanying person: free admission
→ for other accessibility needs, please contact boxoffice.bigfestival@gmail.com
Originario del Congo, YAV è cantante, autore, produttore, artista del movimento e modello. Nel corso degli anni ha lavorato come danzatore con diversi coreografi nel campo della danza contemporanea e ha iniziato la sua carriera di coreografo a metà del 2018. Nel 2020 è stato inserito nella ‘NRC TOP 101 LIST’ dei talenti emergenti nella categoria Danza. Nel 2021 ha debuttato con Movements of Soul, performance poi selezionata per AEROWAVES 2024. Ha inoltre partecipato come coreografo e danzatore al film Black is King di Beyoncé (2020) Ha collaborato con Calvin Klein, Tommy Hilfiger e Daily Paper come movement director e con brand come Armani e Marc Jacobs come modello. Dalla metà del 2021 ha iniziato a comporre musica per i propri progetti artistici. Nel 2024 YAV ha pubblicato l’EP Eruption.
Originally from Congo, YAV is a singer, songwriter, producer, movement artist, and model. Over the years, he has worked as a dancer with various choreographers in the field of contemporary dance and began his career as a choreographer in mid-2018. In 2020, he was included in the NRC TOP 101 LIST of emerging talents in the Dance category. In 2021, he debuted Movements of Soul, a performance later selected for AEROWAVES 2024.
He also took part as choreographer and dancer in Beyoncé’s film Black is King (2020). YAV has collaborated with Calvin Klein, Tommy Hilfiger, and Daily Paper as a movement director, and with brands such as Armani and Marc Jacobs as a model. Since mid-2021, he has been composing music for his own artistic projects. In 2024, YAV released his EP Eruption.
Musica prodotta da ⎯ Music Produced by: Safa Liron & YAV / Tecnico ⎯ Technician: Martijn Huisman / Concept luci ⎯ Light Concept: YAV / Styling: YAV / Direzione del movimento ⎯ Movement Direction: YAV
Chi acquista il biglietto per Movements of Soul (5 novembre) e/o per I versi delle mani (12 novembre) potrà prenotare — tramite BIG Festival (che trasmetterà poi la richiesta a DAB) o direttamente al botteghino DAB — il biglietto ridotto “BIG Lover” al costo di € 8 per lo spettacolo DAB Eruption (6 novembre).
Biglietti disponibili su vivaticket.it, in tutti i punti vendita Vivaticket presso il Botteghino del Teatro Piccinni dal mercoledì al sabato, dalle ore 10 alle ore 13 e dalle ore 17 alle ore 20 e presso il botteghino del Teatro Kismet a partire dalle ore 18.00.
Those who purchase a ticket for Movements of Soul (5 November) and/or I versi delle mani (12 November) may reserve — through BIG Festival (which will forward the request to DAB) or directly at the DAB box office — a “BIG Lover”reduced ticket priced at €8 for the DAB performance Eruption (6 November).
Tickets available on vivaticket.it, at all Vivaticket outlets, at the Piccinni Theatre box office from Wednesday to Saturday, from 10 a.m. to 1 p.m. and from 5 p.m. to 8 p.m., and at the Kismet Theatre box office from 6 p.m. onwards.
07. NOV. 2025 ⎯ h 21:00
SPAZIO MURAT
Piazza del Ferrarese, 1
⎯ performance D
Sul rovescio è una raccolta di performance che indaga il ribaltamento percettivo e narrativo del corpo attraverso la creazione di singolarità bizzarre. Grazie a una maschera posta sulla nuca, la performer anima il proprio doppio in uno spazio paradossale, come se fosse intrappolata in uno specchio, e il corpo – inteso come luogo di tensioni tra sé e l’altro, visibile e invisibile, vero e falso – diventa confine e possibilità. In questo dialogo tra essere il corpo e avere il corpo emergono tensioni universali su autonomia, vulnerabilità, controllo e libertà, generando un’esperienza che destabilizza percezioni e significati.
Claudia Caldarano è coreografa, regista, autrice, danzatrice, attrice e performer. La sua ricerca indaga i messaggi politici che il corpo poetico può rivelare attraverso azioni coreografiche e transdisciplinari. Diplomata in Grafica d’Arte Incisoria (Bisonte), in Recitazione (Civica Scuola di Teatro Paolo Grassi) e in Assistenza alla Coreografia (con Micha e Marina Van Hoecke), è stata selezionata come regista per la finale della Biennale College Teatro 2022 e come coreografa per la Nid Platform Open Studios 2021.
Tra il 2021 e il 2024 è finalista e vincitrice di numerosi premi e progetti, tra cui Oriente Occidente, Crossing the Sea, Cura, Bodyscape, Kommtanz, Nu.da Live!, L’Italia dei Visionari/Kilowatt Festival, Residanza e Crashtest. È socia fondatrice e attrice del Teatro dei Gordi e di mo-wan teatro, co-curatrice del Deep Festival, referente per la progettazione di IMPORT/EXPORT (Creative Europe) e dal 2014 danzatrice della compagnia Virgilio Sieni.
Sul rovescio is a collection of performances exploring the perceptual and narrative reversal of the body through the creation of bizarre singularities. Thanks to a mask placed on the back of her head, the performer animates her double within a paradoxical space, as if trapped inside a mirror. The body — understood as a site of tension between self and other, visible and invisible, true and false — becomes both boundary and possibility. In this dialogue between being the body and having the body, universal tensions around autonomy, vulnerability, control, and freedom emerge, generating an experience that destabilizes perception and meaning.
Claudia Caldarano is a choreographer, director, author, dancer, actor, and performer. Her research investigates the political messages that the poetic body can reveal through choreographic and transdisciplinary actions. She holds diplomas in Printmaking (Il Bisonte), Acting (Civica Scuola di Teatro Paolo Grassi), and Choreographic Assistance (with Micha and Marina Van Hoecke). She was selected as a director for the final round of Biennale College Teatro 2022 and as a choreographer for the NID Platform Open Studios 2021.
Between 2021 and 2024, she has been a finalist and winner of numerous awards and programs, including Oriente Occidente, Crossing the Sea, Cura, Bodyscape, Kommtanz, Nu.da Live!, L’Italia dei Visionari / Kilowatt Festival, Residanza, and Crashtest. She is a founding member and actor of Teatro dei Gordi and mo-wan teatro, co-curator of Deep Festival, project coordinator for IMPORT/EXPORT (Creative Europe), and has been a dancer with Virgilio Sieni’s company since 2014.
Di e con ⎯ By and with: Claudia Caldarano / Produzione ⎯ Production: mo-wan
08. NOV. 2025 ⎯ h 20:00
SPAZIO13 ⎯ Sala performance
via Colonnello de Cristoforis, 8
⎯ performance D
L’esplorazione del conflitto tra individualismo e bisogno di accettazione in una società in cui si è spinti a competere, a sorpassarsi, a “scavalcare” l’altro persino nei rapporti umani. Il giaccone diventa simbolo di protezione, status, e identità, diventa terreno di contesa immaginaria: tutti lo vogliono, ma ce n’è solo uno.
Attraverso un linguaggio fisico che fonde la fluidità della danza contemporanea e l’energia dell’house dance, lo spettacolo costruisce una narrazione astratta ma emotivamente riconoscibile, che parte dall’illusione del supporto reciproco per arrivare allo svelamento di una lotta solitaria e, forse, inutile.
An exploration of the conflict between individualism and the need for acceptance in a society that drives us to compete, to outdo one another, to “step over” others even in our most human relationships.
The jacket becomes a symbol of protection, status, and identity — an imagined battleground: everyone wants it, but there’s only one.
Through a physical language blending the fluidity of contemporary dance with the energy of house dance, the performance builds an abstract yet emotionally relatable narrative — one that begins with the illusion of mutual support and unfolds into the revelation of a solitary, perhaps futile, struggle.
Coreografie ⎯ Choreography: Gianni Wers / Performer: Moreno Guadalupi
08. NOV. 2025 ⎯ h 22:00
TEATRO SPAZIO 13
via Colonnello de Cristoforis, 8
⎯ performance
PORTA CON TE UNA COPERTA O UN SACCO A PELO PER PASSARE LA NOTTE!
BRING A BLANKET OR A SLEEPING BAG TO SPEND THE NIGHT!
Sleeping performance è un’esperienza notturna che espande lo spettacolo teatrale Onirica, portando la ricerca dal palcoscenico al territorio sospeso del sonno. Una voce guida il pubblico attraverso un percorso di ipnosi lieve, accompagnandolo dalla veglia a uno stato di sogno. Una composizione sonora appositamente creata avvolge lo spazio per tutta la notte, modulando atmosfere e frequenze per influenzare il paesaggio onirico dei/delle partecipanti. L’obiettivo è coltivare una soglia di consapevolezza capace di favorire il sogno lucido: un attraversamento in cui il corpo riposa mentre la mente si apre a visioni e narrazioni interiori. Onirica – Sleeping Performance diventa così un rituale condiviso in cui realtà e sogno si intrecciano fino a confondersi.
Porta con te un sacco a pelo o una coperta per passare la notte.
Collettivo EFFE – attivo dal 2018 e formato da Giulia Odetto (regista/autrice), Antonio Careddu (dramaturg/autore), Camilla Soave (danzatrice/video artista) e altrə artistə, macchine ed esseri viventi che ne incrociano i percorsi – esplora l’interazione tra tecnologie e linguaggi performativi. La ricerca si concentra su drammaturgia d’immagine (con video in presa diretta), centralità del corpo nel dialogo con il paesaggio e sfida alla percezione del pubblico, sviluppando linguaggi in cui la tecnica diventa estensione naturale del corpo umano.
Con Onirica (2020) Collettivo EFFE ha partecipato alla Biennale di Venezia registi under 30, con Il mio corpo è come un monte (2021) ha vinto Powered by REf e debuttato a Romaeuropa Festival (2022). Nel 2023 ha partecipato alla residenza Crossing the sea al Seoul Institute of the Arts e del 2024 è la produzione di Wonderland. Parallelamente alla produzione teatrale, realizza progetti come Persino le spine sono spilli(installazione), Atto Precario (newsletter multimediale dal 2023) e Cuginə (residenza collettiva dal 2024).
Sleeping Performance is a nocturnal experience that expands upon the stage production Onirica, carrying the research from the theater into the suspended realm of sleep. A guiding voice leads the audience through a light state of hypnosis, accompanying them from wakefulness into dreaming. A specially composed soundscape envelops the space throughout the night, modulating atmospheres and frequencies to influence the dream landscape of the participants. The goal is to cultivate a threshold of awareness conducive to lucid dreaming — a passage in which the body rests while the mind opens to inner visions and narratives. Onirica – Sleeping Performance thus becomes a shared ritual where reality and dream intertwine until they blur into one another.
Bring a sleeping bag or a blanket to spend the night.
Collettivo EFFE — active since 2018 and composed of Giulia Odetto (director/author), Antonio Careddu (dramaturg/author), Camilla Soave (dancer/video artist), and other artists, machines, and living beings who cross their paths — explores the interaction between technology and performance languages. Their research focuses on image-based dramaturgy (with live video), the centrality of the body in dialogue with the landscape, and the challenge of audience perception, developing languages in which technology becomes a natural extension of the human body.
With Onirica (2020), Collettivo EFFE took part in the Venice Biennale’s program for under-30 directors; with Il mio corpo è come un monte (2021), they won Powered by REf and debuted at Romaeuropa Festival (2022). In 2023, they joined the Crossing the Sea residency at the Seoul Institute of the Arts, and Wonderland (2024) marks their latest production. Alongside their theatrical work, they create projects such as Persino le spine sono spilli (installation), Atto Precario (multimedia newsletter since 2023), and Cuginə (collective residency since 2024).
Testi ⎯ Texts: Giulia Odetto e Antonio Careddu / Sound: Lorenzo Abattoir e Filippo Conti / Performer: Giulia Odetto
11. NOV. 2025 ⎯ h 21:00
NUOVO TEATRO ABELIANO
via Padre Massimiliano Kolbe, 3
⎯ performance D
In collaborazione con ResExtensa Centro nazionale di Produzione della danza
Trickster è ispirato alla sequenza del film The Playhouse in cui Buster Keaton sostituisce una scimmia ammaestrata in uno spettacolo: la precisione con cui l’attore assume l’essenza del movimento animale e la sintesi estetica del trucco e del costume diventano punto di partenza per una performance che intreccia cinema, danza, coreografia e pittura. Un danzatore solo in scena si divincola tra citazioni cinematografiche e digitali, ricostruendo attraverso un collage di materiali plurali la scena in cui Keaton interpreta una scimmia che imita il comportamento umano. La qualità fisica, nutrita dalla pittura sensuale e cinetica di Francis Bacon, dispone il corpo in uno stato di dialogo continuo tra la propria specificità anatomica e gli inviti quasi acrobatici delle partiture. Si evoca così il trickster, figura liminale fra mondo umano e divino, che presiede i confini delle città, delle regole e della vita sociale, confondendone le distinzioni: rovescia sensi e significati e distruggendo ricrea, in una posizione mai dominante ma sempre laterale, duplice e dialogica.
OPERABIANCO è un gruppo di ricerca artistica fondato e diretto da Marta Bichisao (danzatrice e coreografa) e Vincenzo Schino (regista e artista visivo). Attivo dal 2006 con base in Umbria, sviluppa progetti in Italia e all’estero attraverso esplorazioni multilinguistiche che coinvolgono danza, performing art, arti visive e video, creando drammaturgie complesse ed esperienze performative immersive che sfidano le forme tradizionali di fruizione.
Il gruppo attuale comprende i/le performer Samuel Fuscà, C.L.Grugher, Beatrice Leonardi, Luca Piomponi, Sabrina Rigoni, Simone Scibilia e i compositori Federico Ortica e Dario Salvagnini, con la collaborazione dell’artista visivo Pierluca Cetera e del poeta Ivan Schiavone. Le produzioni di OB sono presenti in festival nazionali e internazionali tra cui Triennale Milano, Festival dei Due Mondi, Auditorium Parco della Musica Roma, Fondation Royaumont e Festival Unidram.
Tra i riconoscimenti: Premio Lia Lapini (2010) e Premio Vivere all’italiana sul palcoscenico del Ministero degli Esteri (2020). Dal 2018 OB è artista IN SITU (Piattaforma europea per le Arti nello Spazio Pubblico), dal 2023 parte del network Crossing the sea e dal 2020 artista associato di PINDOC.
Trickster is inspired by a sequence from the film The Playhouse, in which Buster Keaton replaces a trained monkey on stage. The precision with which the actor captures the essence of animal movement, combined with the aesthetic synthesis of make-up and costume, becomes the starting point for a performance intertwining cinema, dance, choreography, and painting. A single dancer on stage twists and turns between cinematic and digital references, reconstructing — through a collage of multiple materials — the scene in which Keaton plays a monkey imitating human behavior. The physical quality, nourished by the sensual and kinetic painting of Francis Bacon, places the body in a continuous dialogue between its own anatomical specificity and the almost acrobatic invitations of the choreographic score. Thus emerges the figure of the trickster — a liminal being between the human and the divine — who governs the boundaries of cities, laws, and social life, blurring distinctions: overturning meanings and, through destruction, recreating, always in a lateral, dual, and dialogic position rather than a dominant one.
OPERABIANCO is an artistic research group founded and directed by Marta Bichisao (dancer and choreographer) and Vincenzo Schino (director and visual artist). Active since 2006 and based in Umbria, the group develops projects in Italy and abroad through multilingual explorations that integrate dance, performance art, visual arts, and video — creating complex dramaturgies and immersive performative experiences that challenge traditional modes of spectatorship.
The current ensemble includes performers Samuel Fuscà, C.L. Grugher, Beatrice Leonardi, Luca Piomponi, Sabrina Rigoni, and Simone Scibilia, as well as composers Federico Ortica and Dario Salvagnini, in collaboration with visual artist Pierluca Cetera and poet Ivan Schiavone. OPERABIANCO’s works have been presented at major national and international festivals, including Triennale Milano, Festival dei Due Mondi, Auditorium Parco della Musica Roma, Fondation Royaumont, and Festival Unidram.
Among its awards: the Lia Lapini Prize (2010) and the Vivere all’italiana sul palcoscenico Prize from the Italian Ministry of Foreign Affairs (2020). Since 2018, OPERABIANCO has been an IN SITU artist (European platform for Arts in Public Space), part of the Crossing the Sea network since 2023, and an associated artist of PINDOC since 2020.
Concept, regia, luci, spazio ⎯ Concept, direction, lights, space: Vincenzo Schino / Coreografia ⎯ Choreography: Marta Bichisao / Performer: Luca Piomponi / Suono ⎯ Sound: Dario Salvagnini / Pittura ⎯ Painting: Pierluca Cetera / Macchinistica ⎯ Stage machinery: Fabio Tomaselli / Produzione ⎯ Production: PinDoc, OPERABIANCO
12. NOV. 2025 ⎯ h 20:30
TEATRO KISMET
Strada S. Giorgio Martire, 22F
⎯ performance D
BIG in collaborazione con Puglia Culture: DAB ospita BIG
La performance è accessibile a persone cieche e ipovedenti.
The performance is accessible to blind and partially sighted audiences.
I versi delle mani nasce dall’incontro tra Marta Bellu, la sound artist Agnese Banti e la danzatrice con sindrome di Down Laura Lucioli, che debutta come professionista dopo un percorso di studio della danza contemporanea iniziato nel 2015 con Marta Bellu nel progetto Iniziali.
Il lavoro esplora la costruzione simultanea di una partitura musicale e coreografica che nasce dal respiro e viene tracciata nello spazio attraverso parole/mani: contenitori di sensibilità che si esprimono in gesti di corpo e suono. Un dialogo tra la ricerca di Marta Bellu sul linguaggio della danza in relazione alla composizione musicale, l’interesse di Agnese Banti per la gestualità del corpo e la fisicità del suono, e le ispirazioni espressive di Laura: «I versi delle mani è proprio il mio verso, le mani con le dita che parlano. Il mio gesto nasce, ogni figura ha un simbolo che ha il suo verso, come la lingua. […] Il suono è una chiave sulla bellezza, che apre una porta».
Marta Bellu, coreografa, danzatrice e psicologa, esplora nella sua ricerca coreografica la relazione tra corpo, suono, luce, ambiente e paesaggio, in dialogo con la composizione musicale. Dal 2014 si occupa di danza inclusiva con persone con disabilità intellettiva nel progetto Iniziali: nel 2021 realizza I versi delle mani con la danzatrice Laura Lucioli, con cui condivide la conduzione del laboratorio Glitter e nuovi progetti di ricerca inclusiva. Con il gruppo multidiscipliare Trifoglio crea Acquitrini e Iride (2023). Dal 2019 è artista associata di Versiliadanza e nel 2021 cofonda A Corpo Vivo a Cagliari, intrecciando ecologia e pratica artistica. Collabora come interprete con Cristina Kristal Rizzo dal 2013 e ha lavorato con il Gruppo Nanou e Yasmine Hugonnet.
I versi delle mani (The Verses of the Hands) was born from the encounter between Marta Bellu, sound artist Agnese Banti, and dancer with Down syndrome Laura Lucioli, who makes her professional debut after a journey in contemporary dance that began in 2015 with Bellu through the project Iniziali.
The work explores the simultaneous construction of a musical and choreographic score that originates from breath and is traced in space through words/hands — containers of sensitivity expressed through gestures of body and sound. It is a dialogue between Marta Bellu’s research on the language of dance in relation to musical composition, Agnese Banti’s exploration of bodily gesture and the physicality of sound, and Laura’s expressive intuitions:
«I versi delle mani is truly my own verse — the hands with fingers that speak. My gesture is born; every figure has a symbol that has its own verse, like language. […] Sound is a key to beauty — it opens a door.»
Marta Bellu, choreographer, dancer, and psychologist, explores in her choreographic research the relationship between body, sound, light, environment, and landscape, in dialogue with musical composition. Since 2014 she has worked in inclusive dance with people with intellectual disabilities through the project Iniziali; in 2021 she created I versi delle maniwith dancer Laura Lucioli, with whom she now co-leads the Glitter workshop and develops new inclusive research projects.
With the multidisciplinary group Trifoglio, she created Acquitrini and Iride (2023). Since 2019, she has been an associated artist of Versiliadanza, and in 2021 she co-founded A Corpo Vivo in Cagliari, intertwining ecology and artistic practice. She has collaborated as a performer with Cristina Kristal Rizzo since 2013 and has worked with Gruppo Nanou and Yasmine Hugonnet.
Progetto e coreografia ⎯ Project and choreography: Marta Bellu con Agnese Banti e Laura Lucioli / Danza ⎯ Dance: Laura Lucioli / Musica e progetto sonoro ⎯ Music and sound design: Agnese Banti / Regia del suono ⎯ Sound direction: Andrea Trona / Ripresa luci ⎯ Lighting adaptation: Andrea Sanson / Costumi ⎯ Costumes: Arianna Chelazzi / Produzione ⎯ Production: Versiliadanza, realizzato con il contributo del programma di residenze KATE di Tempo Reale e del Bando Abitante – Fondazione CR Firenze e Centro Nazionale di Produzione della Danza Virgilio Sieni, co-prodotto da Murate Art District con il sostegno del Comune di Firenze, Associazione Mus.e e MAD Murate Art District, in collaborazione con Associazione A Corpo Vivo, Cagliari / Con il sostegno di ⎯ With the support of: MiC – Direzione Generale Spettacolo per il progetto RIFRAZIONI di Oriente Occidente, APS Arcigay Il Cassero / Gender Bender, Centro Servizi Culturali Santa Chiara, APS Fuori Luogo (Festival Fisiko!), IAC – Centro Arti Integrate, Menhir / Le Danzatrici en plein air, TeatroMenzatì / Tex il teatro dell’ExFadda, Associazione Nexus, Versiliadanza
Chi acquista il biglietto I versi delle mani (12 novembre) potrà prenotare — tramite BIG Festival (che trasmetterà poi la richiesta a DAB) o direttamente al botteghino DAB — il biglietto ridotto “BIG Lover” al costo di € 8 per lo spettacolo DAB Where (12 novembre).
Accessibilità
Per I versi delle mani (12 novembre):
→persone cieche → biglietto € 8
→accompagnatore/trice → ingresso omaggio
→ per altre esigenze di accesso, scrivere a boxoffice.bigfestival@gmail.com
Tickets and concessions
Those who purchase a ticket for I versi delle mani (12 November) may reserve — through BIG Festival (which will forward the request to DAB) or directly at the DAB box office — a “BIG Lover”reduced ticket priced at €8 for the DAB performance Where (12 November).
Accessibility
For I versi delle mani (12 November):
→ blind and visually impaired persons: ticket €8
→ accompanying person: free admission
→ for other accessibility needs, please contact boxoffice.bigfestival@gmail.com
13. NOV. 2025 ⎯ h 21:00
NUOVO TEATRO ABELIANO
via Padre Massimiliano Kolbe, 3
⎯ performance D
In collaborazione con ResExtensa Centro nazionale di Produzione della danza
Back/Bridge è un’esplorazione del continuum delle violenze coloniali nei corpi e nelle memorie delle diaspore post-coloniali. Attraverso un dialogo incisivo tra coreografia e iconografia, lo spettacolo tesse connessioni tra immagini d’archivio storiche e rappresentazioni mediatiche contemporanee, rivelando l’impronta di un passato sempre presente.
Strutturato in tre atti e interpretato da un/una solo/a danzatore/trice, Back/Bridge interroga i segni lasciati dalla storia coloniale sui corpi e sui racconti dei “margini” post-coloniali, principalmente quelli della diaspora nordafricana, e tenta di cartografare la continuità delle violenze sistemiche, dalle violazioni coloniali di ieri alle discriminazioni di oggi, incrociando due linguaggi complementari: il movimento e l’immagine. Un’intersezionalità di pratiche che riecheggia quella dell’esistenza di Habibitch, nata in Algeria e cresciuta in Francia, accademica poi danzatrice professionista, queer fem non-binaria: il ponte è sempre stata la sua “identità di genere”.
Concludendo con la celebrazione della memoria delle lotte collettive, Back/Bridge ricorda il loro ruolo fondamentale come motore delle rivoluzioni popolari e invita a (re)immaginare un futuro in cui la storia illumina e nutre le resistenze attuali.
Habibitch odia scrivere biografie, così ha chiesto a ChatGPT di farlo per lei: «artista multidisciplinare, coreografa, performer e attivista di origini algerine, centrale nei movimenti queer, femministi e antirazzisti in Francia e sul piano internazionale. Decostruisce le norme coloniali, di genere e di sessualità rivendicando un’identità multipla e intersezionale. Membro influente della scena voguing, mescola i codici di questa cultura con riferimenti storici e politici. Le sue performance oscillano tra danza, confessione e manifesto politico, offrendo spazi di resistenza e di empowerment…».
Habibitch odia ChatGPT, ma ama le parole. Con una formazione accademica piuttosto rigorosa, che spazia dalla letteratura alla storia e alla sociologia (laurea in Storia e in Spagnolo, master in Discriminazioni e Gender Studies), sta scrivendo un saggio politico che espande Décoloniser le dancefloor, la sua conferenza-danzata che intreccia masterclass sociologica, spettacolo dal vivo, lezione politica e stand-up per parlare di razzismo sistemico e appropriazione culturale attraverso la ballroom scene – la controcultura nata negli anni ’60 dalla comunità afro-latina LGBT di New York. Parte di questa scena dal 2015, Habibitch è riconosciuta a livello internazionale e ha vinto numerose ball e tenuto workshop in tutto il mondo.
Danzatrice e coreografa professionista, è stata per due anni (2023-2024) in tour mondiale con Sam Smith. Ha lavorato con Kiddy Smile, Angèle, Yseult, Travis Scott, ha creato coreografie per il cinema (Un couteau dans le cœur di Yann Gonzalez) e co-diretto il film Décoloniser le dancefloor (2022, regia di Adrien Privat). Fa public speaking e insegna sociologia queer e decoloniale in rapporto alle arti performative in istituzioni come Georgetown University, HEAD Ginevra, École Nationale Supérieure d’Architecture Paris, Beaux-Arts de Marseille e molte altre. In tutto questo, Habibitch parla molto – letteralmente – ed è da tempo che desiderava un format che parlasse per lei. È Back/Bridge.
Back/Bridge is an exploration of the continuum of colonial violence inscribed in the bodies and memories of postcolonial diasporas. Through an incisive dialogue between choreography and iconography, the performance weaves connections between historical archival images and contemporary media representations, revealing the imprint of a past that remains ever-present.
Structured in three acts and performed by a solo dancer, Back/Bridge interrogates the traces left by colonial history on the bodies and narratives of postcolonial “margins,” particularly those of the North African diaspora. It attempts to map the continuity of systemic violence — from the colonial violations of yesterday to today’s discriminations — by intertwining two complementary languages: movement and image. This intersectionality of practices echoes the lived intersectionality of Habibitch herself — born in Algeria, raised in France, an academic turned professional dancer, queer fem non-binary: the bridge has always been her “gender identity.”
Concluding with the celebration of the memory of collective struggles, Back/Bridge recalls their fundamental role as the driving force behind popular revolutions and invites us to (re)imagine a future where history enlightens and nourishes present-day resistances.
Habibitch hates writing biographies, so she asked ChatGPT to do it for her:
«Multidisciplinary artist, choreographer, performer, and activist of Algerian descent, central to queer, feminist, and anti-racist movements in France and internationally. She deconstructs colonial, gender, and sexual norms, asserting a multiple and intersectional identity. An influential member of the voguing scene, she merges the codes of this culture with historical and political references. Her performances oscillate between dance, confession, and political manifesto, creating spaces of resistance and empowerment…»
Habibitch hates ChatGPT, but she loves words. With an academic background that spans literature, history, and sociology (degrees in History and Spanish, a master’s in Discrimination and Gender Studies), she is currently writing a political essay expanding on Décoloniser le dancefloor — her danced lecture blending sociological masterclass, live performance, political lesson, and stand-up show to address systemic racism and cultural appropriation through the ballroom scene, the counterculture born in the 1960s within New York’s Afro-Latin LGBT community.
A part of this scene since 2015, Habibitch is internationally recognized, having won numerous balls and conducted workshops around the world. A professional dancer and choreographer, she toured globally with Sam Smith for two years (2023–2024), has collaborated with Kiddy Smile, Angèle, Yseult, and Travis Scott, created choreography for cinema (Un couteau dans le cœur by Yann Gonzalez), and co-directed the film Décoloniser le dancefloor (2022, dir. Adrien Privat).
She is also a public speaker and teaches queer and decolonial sociology in relation to the performing arts at institutions such as Georgetown University, HEAD Geneva, École Nationale Supérieure d’Architecture Paris, Beaux-Arts de Marseille, and many others. Through all this, Habibitch talks — a lot — and has long desired a format that could finally speak for her. That format is Back/Bridge.
Coreografia ⎯ Choreography: Habibitch / Chitarra ⎯ Guitar: Arezki Benoufella / Derbouka: Tontonmicmac / Montaggio video ⎯ Video editing: Adrien Privat e Habibitch / Montaggio musicale ⎯ Music editing: Adrien Privat / Creazione colonna sonora ⎯ Soundtrack creation: Adrien Privat / Creazione musica dal vivo ⎯ Live music creation: Arezki Benoufella e Tontonmicmac / Produzione ⎯ Production: Sorcières&Cie / Bureau des Filles
14. NOV. 2025 ⎯ h 20:00
NUOVO TEATRO ABELIANO
via Padre Massimiliano Kolbe, 3
⎯ performance D
⎯ Creazione selezionata per la Vetrina della giovane danza d’autore 2024
In collaborazione con ResExtensa Centro nazionale di Produzione della danza
Spinte nasce da un’indagine attorno all’ambiguità del gesto della spinta, in termini relazionali, individuali e fisici – un’immersione in quella zona grigia tra il gioco e il violento, tra il ludico e il sadico, tra lo scherzo e il dispetto. La composizione coreografica si sviluppa a partire dal gesto della spinta che, nella sua ripetizione, cambia di senso, sprigiona diversi immaginari, acquisisce nuovi valori. La performance indaga questi significati racchiudendoli, mostrandoli e trasformandoli e compone così un meccanismo di corpi spinti e spingenti, una macchina umana fatta di azioni e reazioni in cui l’intenzione all’origine si perde, si confonde tra i diversi momenti di questo dialogo fisico.
Claudio Larena, artista, artigiano e performer, spazia tra i linguaggi dell’installazione, danza e performance in contesti teatrali, performativi e visivi. Dopo il debutto di Calcinacci al RomaEuropaFestival 2020, prosegue il suo percorso creativo con LENA, Spinte e Stiamo lavorando per voi (ci scusiamo per il disagio). Le sue ricerche si declinano in diversi formati: performance urbana, scrittura scenica, performance di parola e ricerca coreografica. Artigiano per formazione, si interroga sull’entità degli oggetti, sui loro significati e sulla relazione fisica, storica o concettuale che scaturisce dal nostro rapporto con essi. La sua ricerca è stata sostenuta, fra gli altri, da Corte Ospitale, Teatro dimora Mondaino, Capotrave-Kilowatt, Fondazione Armunia, Chiasma, Carrozzerie NOT, Mare Culturale Urbano, RomaEuropaFestival e RAMDAM Un Centre d’Art (Lione).
Spinte (“Pushes”) arises from an exploration of the ambiguity of the act of pushing — in relational, individual, and physical terms — an immersion into that grey area between play and violence, between the playful and the sadistic, between teasing and spite. The choreographic composition develops from the gesture of the push, which through repetition shifts in meaning, releases multiple imaginaries, and acquires new values. The performance investigates these meanings — containing them, revealing them, and transforming them — composing a mechanism of pushed and pushing bodies, a human machine made of actions and reactions, in which the initial intention is lost, blurred among the various moments of this physical dialogue.
Claudio Larena, artist, artisan, and performer, moves across the languages of installation, dance, and performance within theatrical, performative, and visual contexts. After debuting Calcinacci at Romaeuropa Festival 2020, he continued his creative journey with LENA, Spinte, and Stiamo lavorando per voi (ci scusiamo per il disagio). His research unfolds in various formats: urban performance, stage writing, spoken performance, and choreographic exploration.
An artisan by training, he reflects on the essence of objects — their meanings, and the physical, historical, or conceptual relationships that emerge from our interaction with them. His work has been supported, among others, by Corte Ospitale, Teatro Dimora Mondaino, Capotrave-Kilowatt, Fondazione Armunia, Chiasma, Carrozzerie NOT, Mare Culturale Urbano, Romaeuropa Festival, and RAMDAM Un Centre d’Art (Lyon).
Con ⎯ With: Claudio Larena, Giulia Cannas, Elena Bastogi / Suono ⎯ Sound: Lorenzo Minozzi / Luci ⎯ Lights: Francesco Tasselli / Produzione ⎯ Production: Chiasma / Con il supporto di ⎯ With the support of: MiC – Ministero della Cultura / Sostenuto da ⎯ Supported by: Artisti.Associati, Fondazione Aterballetto, Aiep (curated by Maria Paola Zedda), Atelier Sì
14. NOV. 2025 ⎯ h 21:00
NUOVO TEATRO ABELIANO
via Padre Massimiliano Kolbe, 3
⎯ performance D
⎯ Creazione selezionata per la Vetrina della giovane danza d’autore 2024
In collaborazione con ResExtensa Centro nazionale di Produzione della danza
Fallen angels è una sinfonia sui corpi che cadono nel presente, immortalati in una sospensione ipercinetica, tra alto e basso, ascesa e rovina. L’immagine della caduta degli angeli ribelli viene spostata e ricontestualizzata in un’osservazione sui recenti fenomeni musicali – trap e derive: protagonisti, narrazioni, autorappresentazioni, estetiche. Ci si chiede quale frequenza incarni il corpo che vive questo presente in continuo stato di avanzamento, accelerazione, innovazione, così come di saturazione, inerzia e anacronismo. Il corpo che danza sulle note invisibili di Fallen angels si immerge in una condizione “esistenziale” della caduta, vaporizza la sua materia. Questo corpo “plurale” trascende in un coro di voci post-umane, di versi frantumati e melmosi: è «la tragedia che si fa timbro».
Michael Incarbone, artista multidisciplinare, danzatore e autore, si forma all’Accademia Nazionale di Danza nel dipartimento di danza contemporanea. Come performer collabora con ALDES-Roberto Castello, Kinkaleri, Adriana Borriello Dance Research, Giselda Ranieri e il collettivo Polisonum. Tra le sue creazioni: Fallen angels(coproduzione Teatri di Vetro e ALDES, selezionato per la Vetrina della giovane danza d’autore eXtra 2024), FLLNGLS, il cortometraggio where you can find me, disappearance, Meta-morphing, About a Revolution(Vetrina della giovane danza d’autore eXtra 2021) e GO ASK ALICE (video-danza vincitore del Premio Roma Danza 2020). È stato selezionato per il Nouveau Grand Tour (MIC/Istituto Italiano di Cultura Paris).
Fallen angels is a symphony of bodies falling through the present — captured in hyperkinetic suspension between ascent and ruin, between the heights and the abyss. The image of the fall of the rebel angels is shifted and recontextualized into an observation of contemporary musical phenomena — trap and its offshoots: their protagonists, narratives, self-representations, and aesthetics.
The work asks: what frequency embodies the body that lives in this present — in constant motion, acceleration, and innovation, yet also in saturation, inertia, and anachronism? The dancing body of Fallen angels immerses itself in an “existential” condition of falling, vaporizing its own substance. This “plural” body transcends into a chorus of post-human voices, of broken, viscous verses: it is «the tragedy that becomes timbre».
Michael Incarbone, multidisciplinary artist, dancer, and author, trained at the Accademia Nazionale di Danza in the Department of Contemporary Dance. As a performer, he has collaborated with ALDES–Roberto Castello, Kinkaleri, Adriana Borriello Dance Research, Giselda Ranieri, and the collective Polisonum.
Among his creations: Fallen angels (co-produced by Teatri di Vetro and ALDES, selected for Vetrina della giovane danza d’autore eXtra 2024), FLLNGLS, the short film where you can find me, disappearance, Meta-morphing, About a Revolution (Vetrina della giovane danza d’autore eXtra 2021), and GO ASK ALICE (dance video awarded the Roma Danza Prize 2020). He was selected for Le Nouveau Grand Tour (MiC / Italian Cultural Institute in Paris).
Regia, coreografia e luci ⎯ Direction, choreography and lights: Michael Incarbone / Performance e collaborazione alla drammaturgia ⎯ Performance and dramaturgy collaboration: Erica Bravini / Musiche originali ⎯ Original music: Edoardo Maria Bellucci / Live set: Gabriele Corti / Produzione ⎯ Production: PinDoc / Co-produzione ⎯ Co-production: ALDES, Teatri di Vetro / Triangolo Scaleno / Con il contributo di ⎯ With the contribution of: MiC e Regione Siciliana / Con il sostegno di ⎯ With the support of: Giacimenti – rete nazionale per l’emersione dei giovani talenti, Da.re. Dance Research, Kinkaleri – Spazio K, Diacronie Lab
14. NOV. 2025 ⎯ h 22:30
SPAZIO13
via Colonnello de Cristoforis, 8
⎯ live set / Italian preview
Diacronie è un progetto di Edoardo Maria Bellucci e Gabriele Corti dedicato alla produzione e alla cura di opere musicali, sonore e intermediali, realizzato da un collettivo di artistə attivə nella musica elettronica, nella sound art e nelle arti performative contemporanee. Con sede operativa presso il Diacronie Lab –studio di produzione, sperimentazione e ricerca sonora – il collettivo fonda nel 2024 DIACRONIE Media, etichetta discografica a-genere dedicata alle molteplici articolazioni del suono contemporaneo.
EDD (Edoardo Maria Bellucci) è un musicista e sound artist vicino alle variazioni beat/IDM del suono elettronico. La sua estetica parte dalle derive della musica sperimentale e d’avanguardia degli ultimi decenni e riorganizza i materiali sonori con timbri complessi e sfaccettati attraverso strutture ritmiche incisive e spesso irregolari. Da questa fusione nascono produzioni originali permeate da elementi stilistici techno, glitch, deconstructed attraverso uno sviluppo raffinato e imprevedibile.
MA\E (Gabriele Corti, 1994) è un DJ e sound designer. Formatosi a Berlino, dove ha vissuto diversi anni esibendosi in club come Void, Griessmühle e KitKat, è oggi attivo nella scena underground romana. I suoi set si distinguono per un eclettismo sofisticato e la capacità di attraversare con fluidità organica generi beat-driven – techno, UK garage, electro, deconstructed club, downtempo – costruendo architetture sonore imprevedibili e immersive.
Diacronie is a project by Edoardo Maria Bellucci and Gabriele Corti dedicated to the production and curation of musical, sound, and intermedia works, created by a collective of artists active in electronic music, sound art, and contemporary performance practices. Based at Diacronie Lab — a studio for production, experimentation, and sound research — the collective founded in 2024 DIACRONIE Media, a genderless record label devoted to the multiple articulations of contemporary sound.
EDD (Edoardo Maria Bellucci) is a musician and sound artist whose work moves along the beat/IDM variations of electronic sound. His aesthetic emerges from the currents of experimental and avant-garde music of recent decades, reorganizing sound materials with complex, multifaceted timbres through incisive and often irregular rhythmic structures. The result is a body of original productions imbued with techno, glitch, and deconstructed stylistic elements — refined and unpredictable in their development.
MA\E (Gabriele Corti, 1994) is a DJ and sound designer. Trained in Berlin, where he lived for several years performing in clubs such as Void, Griessmühle, and KitKat, he is now active within the Roman underground scene. His sets are marked by sophisticated eclecticism and the ability to move fluidly across beat-driven genres — techno, UK garage, electro, deconstructed club, downtempo — building immersive and unpredictable sound architectures.
15. NOV. 2025 ⎯ h 21:00
SPAZIO MURAT
Piazza del Ferrarese, 1
⎯ performance D / Italian premiere
Uno show televisivo generato artificialmente, un sogno inquietante dopo una nottata catatonica da doomscrolling, o forse qualcosa di ancora più perturbante, 11 3 8 7 [Rebody] è una performance ispirata alle sontuose fantasie che costruiamo online e alla loro relazione conflittuale con una realtà sempre più ostile. Ci riempie gli occhi di immagini patinate, ma il contenuto è vuoto. Dietro l’aspetto lucido dei suoi avatar fittizi si cela un’atmosfera inquietante, quasi impossibile da afferrare. Come quando si vaga da soli in un centro commerciale deserto, l’immaginario di 11 3 8 7 perseguita lo spettatore con i brividi di un’assenza, fredda e artificiale.
Trevoga è una comunità di artistə che resiste alle convenzioni, unita dall’urgenza di lasciare che l’angoscia del presente attraversi i corpi e renda tangibile il peso della vita contemporanea. Nelle loro opere l’ansia non è metafora, ma materia viva per esplorare un futuro fragile e irrisolto. Il corpo non è tempio, ma un centro commerciale abbandonato, disseminato di reliquie della cultura del consumo, sostanze sintetiche e immaginari sessualizzati. Distorcendo i tropi della cultura pop in forme sensuali e inquietanti, le loro performance offrono uno specchio del mondo per come davvero si sente: frammentato, contraddittorio, viscerale. Il palcoscenico diventa così un luogo di scavo grottesco, dove i detriti emotivi e culturali del nostro tempo vengono smembrati e trasformati in immagini perturbanti. Dopo l’acclamato debutto con 11 3 8 7 — premiato come Best of Fringe Amsterdam, selezionato tra gli Aerowaves Twenty24 e inserito da NRC nella Top 5 della Migliore Danza della Stagione Olandese 2023/2024 — il collettivo presenta XX-63, una crisi sensoriale che segna un’audace escalation della loro missione: incarnare la bellezza fratturata e il terrore del presente.
An artificially generated TV show, a disturbing dream after a catatonic night of doomscrolling — or perhaps something even more unsettling — 11 3 8 7 [Rebody] is a performance inspired by the lavish fantasies we construct online and their conflicted relationship with an increasingly hostile reality. It fills our eyes with glossy, seductive images, yet the content is hollow. Beneath the sleek surface of its synthetic avatars lies an eerie atmosphere, elusive and disquieting. Like wandering alone through an abandoned shopping mall, the imagery of 11 3 8 7 haunts the viewer with the chill of absence — cold, artificial, and strangely alive.
Trevoga is a community of artists who resist convention, united by the urgency to let the anxiety of the present permeate their bodies and render tangible the weight of contemporary life. In their work, anxiety is not a metaphor but a living material for exploring a fragile and unresolved future. The body is no temple, but an abandoned mall — scattered with relics of consumer culture, synthetic substances, and sexualized imagery. By distorting pop-culture tropes into sensual, unsettling forms, their performances hold up a mirror to the world as it feels: fragmented, contradictory, visceral.
The stage becomes a site of grotesque excavation, where the emotional and cultural debris of our time are dismembered and transformed into haunting images. Following their acclaimed debut 11 3 8 7 — awarded Best of Fringe Amsterdam, selected among the Aerowaves Twenty24, and listed by NRC in the Top 5 Best Dance Performances of the 2023/2024 Dutch Season — the collective now presents XX-63, a sensory breakdown marking a bold escalation of their mission: to embody the fractured beauty and terror of the present.
Coreografia: Trevoga Collective / Interpretazione: Neda Ruzheva, Yooha Chen, Szymon Tur / Styling: La Fam / Suono: Damyst / Luci: Erik van de Wijdeven / Fotografia: Giovanni Salice / Co-produzione: ICK Amsterdam x One Dance Week Bulgaria / Con il sostegno di NORMA Funds, Performing Arts Fund NL e Amsterdam Fund for the Arts.
21. NOV. 2025 ⎯ h 18:00
PINACOTECA METROPOLITANA DI BARI “CORRADO GIAQUINTO”
via Spalato, 19 – Lungomare N. Sauro (IV piano)
⎯ talk
Introduzione di Micaela Paparella, consigliera metropolitana delegata alla valorizzazione e tutela della Pinacoteca di Bari
L’arte può essere uno spazio di libertà, incubatore di trasformazioni, luogo di critica, rivolta e rinascita, uno spazio per resistere alla necropolitica, alla morte, alla tristezza, alla solitudine e a tutte le passioni tristi che genera la società contemporanea. L’arte che ci piace è risveglio, cura, atto di rivolta e gesto di poesia politica.
Anna Simone, professoressa associata, insegna Sociologia della politica, del diritto e della devianza, Genere e Conflitti, presso il Dipartimento di Scienze Politiche dell’Università degli Studi di Roma Tre. Si occupa di femminismi internazionali e pensiero della differenza sessuale, di diseguaglianze e giustizia sociale, del rapporto tra società e psicoanalisi, di arte e società, nonché dell’impatto che hanno sugli attori sociali i processi di neoliberalizzazione e le trasformazioni del potere. Autrice di numerosi saggi e volumi, svolge molte conferenze e seminari in Italia e all’estero. Scrive sulle pagine culturali del Manifesto e su vari siti di divulgazione culturale tra cui Fondazione Feltrinelli (con cui ha pubblicato il volume Politica della violenza, 2020), OperaViva, Il Lavoro Culturale, Alfa Beta. È tra le fondatrici del network Sociologia di posizione.
Anna D’Elia, già docente all’Università degli Studi della Basilicata, all’A.B.A. di Bari e di Roma, ha pubblicato i volumi Arte per il Pianeta (2023), Degas si confessa (2022), VEDERSCORRERE (2021). Ha curato numerose mostre, tra cui Transfusioni (Fondazione Menna-Binga, 2016-2020), Riflessioni a puntate (Fondazione Noesi, 2018), Pino Pascali e Luigi Ghirri: mare e cielo (Fondazione Pascali 2014-2015), Artronica (Bari 1987). Ha collaborato con il Centre Pompidou di Parigi per la mostra La Ville/Art et Architecture in Europe, 1870-1993; con il Museo Reina Sofia di Madrid per Pino Pascali, la reinvención del mito mediterraneo (2001); con la Biennale di Venezia per la mostra Pino Pascali, Ritorno a Venezia / Puglia Arte Contemporanea (2011), con la Regione Friuli Venezia Giulia per la mostra Io, lei, l’altra. Ritratti e autoritratti fotografici di donne artiste (2022). Collabora con la rivista Leggendaria.
Introduction by Micaela Paparella, Metropolitan Councillor for the Promotion and Protection of the Pinacoteca of Bari
Art can be a space of freedom — an incubator of transformation, a site of critique, revolt, and rebirth — a space to resist necropolitics, death, sadness, loneliness, and all the sorrowful passions generated by contemporary society. The kind of art we cherish is awakening, care, a gesture of rebellion, and an act of political poetry.
Anna Simone, associate professor, teaches Sociology of Politics, Law and Deviance, Gender and Conflict at the Department of Political Science, Roma Tre University. Her research focuses on international feminisms and the thought of sexual difference, inequality and social justice, the relationship between society and psychoanalysis, art and society, as well as the effects of neoliberal processes and transformations of power on social actors. Author of numerous essays and volumes, she lectures extensively in Italy and abroad. She writes for the cultural pages of il manifesto and contributes to various cultural platforms including Fondazione Feltrinelli (with whom she published Politica della violenza, 2020), OperaViva, Il Lavoro Culturale, and Alfa Beta. She is among the founders of the network Sociologia di posizione.
Anna D’Elia, formerly professor at the University of Basilicata and at the Fine Arts Academies of Bari and Rome, is the author of Arte per il Pianeta (2023), Degas si confessa (2022), and VEDERSCORRERE (2021). She has curated numerous exhibitions, including Transfusioni (Fondazione Menna-Binga, 2016–2020), Riflessioni a puntate (Fondazione Noesi, 2018), Pino Pascali e Luigi Ghirri: mare e cielo (Fondazione Pascali, 2014–2015), and Artronica (Bari, 1987). She has collaborated with the Centre Pompidou (Paris) for La Ville / Art et Architecture in Europe, 1870–1993; the Museo Reina Sofía (Madrid) for Pino Pascali: la reinvención del mito mediterráneo (2001); the Venice Biennale for Pino Pascali, Ritorno a Venezia / Puglia Arte Contemporanea (2011); and the Friuli Venezia Giulia Region for Io, lei, l’altra. Ritratti e autoritratti fotografici di donne artiste (2022). She collaborates with the magazine Leggendaria.
21. NOV. 2025 ⎯ h 20:00
POLO BIBLIOTECARIO REGIONALE ex CASERMA ROSSANI
via Vitantonio Debellis, 47
⎯ performance D / Italian premiere
Some dances on dickfaces prende come materiale di studio Il Giardino delle delizie di Hieronymus Bosch per comporre un inno fuori dal tempo: una riflessione sul corpo come unico spazio di potere, desiderio e relazione in un presente attraversato da crisi e catastrofi. L’ansia, l’impotenza e l’assuefazione diventano così materia viva da trasformare in danza, intesa come rito e magia capace di rilanciare l’essenza dell’umano oltre l’efficienza, lo sfruttamento, le ingiustizie e i confini sociali.
Il corpo non viene celebrato come tempio, ma riscoperto nella sua fragilità e libertà, luogo in cui ogni creatura rivendica il diritto al piacere e alla propria unicità. Danzare sulle dickfaces significa ribadire l’accesso al desiderio come dimensione vitale e salvifica, coltivando rispetto, cura e relazione. La performance diventa insieme festa e rivolta: uno spazio condiviso in cui guardare ed essere guardati, danzare e vivere.Il progetto, articolato in tappe di ricerca e incontri, approda al BIG Festival come terza tappa di un percorso che si concluderà nel 2026.
Fondata a Firenze nel 1995 dall’incontro di artistə con percorsi diversi, Kinkaleri lavora tra sperimentazione teatrale, ricerca sul movimento, performance, installazioni e materiali sonori, cercando un linguaggio fondato sull’evidenza degli oggetti più che su uno stile.
Le loro opere sono state ospitate in importanti teatri, festival e centri d’arte in Italia e all’estero, tra cui Triennale/Teatro dell’Arte di Milano, Teatro Metastasio, Sophiensæle e Kunsthalle Deutsche Bank di Berlino, Centre Pompidou di Parigi, Kaaitheater e Kunstenfestivaldesarts di Bruxelles, Fondazione Calouste Gulbenkian di Lisbona, Mercat de les Flors di Barcellona, La Bâtie – Festival de Genève, Festival di Santarcangelo, Biennale Danza di Venezia, Villa Romana di Firenze e MAXXI di Roma. Tra le produzioni più significative: Doom (1996), My love for you will never die (2001), OTTO (2002/2003 e 2018), WEST (2003-2006), I Cenci/Spettacolo (2004), Nerone (2006), The Hungry March Sho/Between a carrot and I (2007), Yes Sir! (2008), Ascesa&Caduta (2010), I Am That Am I (2010), Hit Parade (2011/2017), All! (2012-2017), la Trilogia Puccini (Nessun Dorma, Butterfly, I love You TOSCA), Once More (2019), Inferno (2021), OtellO(2021), HellO° (2022-23), AcrossKissKissYou (2024).
Nel 2002 Kinkaleri riceve il Premio Lo Straniero e il Premio Ubu per il miglior spettacolo di Teatrodanza dell’anno.
Some dances on dickfaces takes as its study material Hieronymus Bosch’s The Garden of Earthly Delights, transforming it into a timeless hymn — a reflection on the body as the only true space of power, desire, and relation within a present marked by crises and catastrophes. Anxiety, impotence, and addiction thus become living matter to be transformed into dance — understood as ritual and magic, capable of restoring the essence of humanity beyond efficiency, exploitation, injustice, and social boundaries.
The body is not celebrated as a temple but rediscovered in its fragility and freedom — a place where every being reclaims the right to pleasure and to their own uniqueness. Dancing on dickfaces means reaffirming access to desire as a vital and redemptive dimension, cultivating respect, care, and connection. The performance becomes at once celebration and revolt: a shared space in which to look and be looked at, to dance and to live. The project, articulated through research phases and encounters, arrives at BIG Festival as the third step of a process that will conclude in 2026.
Founded in Florence in 1995 from the meeting of artists with diverse backgrounds, Kinkaleri works between theatrical experimentation, movement research, performance, installations, and sound materials, pursuing a language grounded in the evidence of objects rather than in style.
Their works have been presented in major theatres, festivals, and art centres in Italy and abroad, including Triennale/Teatro dell’Arte di Milano, Teatro Metastasio, Sophiensæle and Kunsthalle Deutsche Bank in Berlin, Centre Pompidou in Paris, Kaaitheater and Kunstenfestivaldesarts in Brussels, Calouste Gulbenkian Foundation in Lisbon, Mercat de les Flors in Barcelona, La Bâtie – Festival de Genève, Festival di Santarcangelo, Venice Biennale Danza, Villa Romana in Florence, and MAXXI in Rome.
Among their most significant productions: Doom (1996), My love for you will never die (2001), OTTO (2002/2003 and 2018), WEST (2003–2006), I Cenci/Spettacolo (2004), Nerone (2006), The Hungry March Sho/Between a carrot and I(2007), Yes Sir! (2008), Ascesa & Caduta (2010), I Am That Am I (2010), Hit Parade (2011/2017), All! (2012–2017), Puccini Trilogy (Nessun Dorma, Butterfly, I love You TOSCA), Once More (2019), Inferno (2021), OtellO (2021), HellO°(2022–23), AcrossKissKissYou (2024).
In 2002, Kinkaleri received the Premio Lo Straniero and the Premio Ubu for Best Dance-Theatre Performance of the Year.
Progetto e realizzazione ⎯ Project and creation: Kinkaleri (Massimo Conti, Marco Mazzoni, Gina Monaco) / Interpreti ⎯ Performers: Samira Cogliandro, Marco Fichera, Matteo Marongiu, Stefano Roveda / Produzione ⎯ Production: KLm – 2025/2026 / Con il sostegno di ⎯ With the support of: MiC – Ministero della Cultura, Regione Toscana
22. NOV. 2025 ⎯ h 20:00
POLO BIBLIOTECARIO REGIONALE ex CASERMA ROSSANI
via Vitantonio Debellis, 47
⎯ performance D / REPLICA
Some dances on dickfaces prende come materiale di studio Il Giardino delle delizie di Hieronymus Bosch per comporre un inno fuori dal tempo: una riflessione sul corpo come unico spazio di potere, desiderio e relazione in un presente attraversato da crisi e catastrofi. L’ansia, l’impotenza e l’assuefazione diventano così materia viva da trasformare in danza, intesa come rito e magia capace di rilanciare l’essenza dell’umano oltre l’efficienza, lo sfruttamento, le ingiustizie e i confini sociali.
Il corpo non viene celebrato come tempio, ma riscoperto nella sua fragilità e libertà, luogo in cui ogni creatura rivendica il diritto al piacere e alla propria unicità. Danzare sulle dickfaces significa ribadire l’accesso al desiderio come dimensione vitale e salvifica, coltivando rispetto, cura e relazione. La performance diventa insieme festa e rivolta: uno spazio condiviso in cui guardare ed essere guardati, danzare e vivere.Il progetto, articolato in tappe di ricerca e incontri, approda al BIG Festival come terza tappa di un percorso che si concluderà nel 2026.
Fondata a Firenze nel 1995 dall’incontro di artistə con percorsi diversi, Kinkaleri lavora tra sperimentazione teatrale, ricerca sul movimento, performance, installazioni e materiali sonori, cercando un linguaggio fondato sull’evidenza degli oggetti più che su uno stile.
Le loro opere sono state ospitate in importanti teatri, festival e centri d’arte in Italia e all’estero, tra cui Triennale/Teatro dell’Arte di Milano, Teatro Metastasio, Sophiensæle e Kunsthalle Deutsche Bank di Berlino, Centre Pompidou di Parigi, Kaaitheater e Kunstenfestivaldesarts di Bruxelles, Fondazione Calouste Gulbenkian di Lisbona, Mercat de les Flors di Barcellona, La Bâtie – Festival de Genève, Festival di Santarcangelo, Biennale Danza di Venezia, Villa Romana di Firenze e MAXXI di Roma. Tra le produzioni più significative: Doom (1996), My love for you will never die (2001), OTTO (2002/2003 e 2018), WEST (2003-2006), I Cenci/Spettacolo (2004), Nerone (2006), The Hungry March Sho/Between a carrot and I (2007), Yes Sir! (2008), Ascesa&Caduta (2010), I Am That Am I (2010), Hit Parade (2011/2017), All! (2012-2017), la Trilogia Puccini (Nessun Dorma, Butterfly, I love You TOSCA), Once More (2019), Inferno (2021), OtellO(2021), HellO° (2022-23), AcrossKissKissYou (2024).
Nel 2002 Kinkaleri riceve il Premio Lo Straniero e il Premio Ubu per il miglior spettacolo di Teatrodanza dell’anno.
Some dances on dickfaces takes as its study material Hieronymus Bosch’s The Garden of Earthly Delights, transforming it into a timeless hymn — a reflection on the body as the only true space of power, desire, and relation within a present marked by crises and catastrophes. Anxiety, impotence, and addiction thus become living matter to be transformed into dance — understood as ritual and magic, capable of restoring the essence of humanity beyond efficiency, exploitation, injustice, and social boundaries.
The body is not celebrated as a temple but rediscovered in its fragility and freedom — a place where every being reclaims the right to pleasure and to their own uniqueness. Dancing on dickfaces means reaffirming access to desire as a vital and redemptive dimension, cultivating respect, care, and connection. The performance becomes at once celebration and revolt: a shared space in which to look and be looked at, to dance and to live. The project, articulated through research phases and encounters, arrives at BIG Festival as the third step of a process that will conclude in 2026.
Founded in Florence in 1995 from the meeting of artists with diverse backgrounds, Kinkaleri works between theatrical experimentation, movement research, performance, installations, and sound materials, pursuing a language grounded in the evidence of objects rather than in style.
Their works have been presented in major theatres, festivals, and art centres in Italy and abroad, including Triennale/Teatro dell’Arte di Milano, Teatro Metastasio, Sophiensæle and Kunsthalle Deutsche Bank in Berlin, Centre Pompidou in Paris, Kaaitheater and Kunstenfestivaldesarts in Brussels, Calouste Gulbenkian Foundation in Lisbon, Mercat de les Flors in Barcelona, La Bâtie – Festival de Genève, Festival di Santarcangelo, Venice Biennale Danza, Villa Romana in Florence, and MAXXI in Rome.
Among their most significant productions: Doom (1996), My love for you will never die (2001), OTTO (2002/2003 and 2018), WEST (2003–2006), I Cenci/Spettacolo (2004), Nerone (2006), The Hungry March Sho/Between a carrot and I(2007), Yes Sir! (2008), Ascesa & Caduta (2010), I Am That Am I (2010), Hit Parade (2011/2017), All! (2012–2017), Puccini Trilogy (Nessun Dorma, Butterfly, I love You TOSCA), Once More (2019), Inferno (2021), OtellO (2021), HellO°(2022–23), AcrossKissKissYou (2024).
In 2002, Kinkaleri received the Premio Lo Straniero and the Premio Ubu for Best Dance-Theatre Performance of the Year.
Progetto e realizzazione ⎯ Project and creation: Kinkaleri (Massimo Conti, Marco Mazzoni, Gina Monaco) / Interpreti ⎯ Performers: Samira Cogliandro, Marco Fichera, Matteo Marongiu, Stefano Roveda / Produzione ⎯ Production: KLm – 2025/2026 / Con il sostegno di ⎯ With the support of: MiC – Ministero della Cultura, Regione Toscana
22. NOV. 2025 ⎯ h 22:00
OFFICINA DEGLI ESORDI
via Francesco Crispi, 5
⎯ performance M
Baronato Quattro Bellezze è uno spazio leggendario nel cuore di Roma — un piccolo teatro dell’assurdo fondato da Dominot, figura mitica e fluida dell’underground cittadino. Per decenni è stato crocevia della controcultura, un regno onirico dove artistə, scrittori/scrittrici, musicistə e cineastə si ritrovavano per perdersi in notti surreali e spontanee. Dopo anni di inattività, il Baronato è rinato due anni fa come studio per il progetto Salò, evolvendosi in un esperimento artistico, musicale e performativo in continuo divenire.
Non è solo un luogo, ma un concetto nomade: un organismo vivente che si sposta e si adatta attraverso performance site-specific. La sua atmosfera fuori dal tempo è stata reinterpretata al Terraforma Festival (Villa Arconati), al ROBOT Festival (Palazzo Re Enzo, Bologna), con NERO Editions a Milano durante MiArt (2023 & 2025) e a Venezia durante il weekend di apertura della Biennale di Venezia 2024, oltre che all’estero, come al KUNE Festival in Danimarca (luglio 2025), su una piccola isola di fronte a Copenaghen.
Baronato Quattro Bellezze is a legendary space in the heart of Rome — a small theatre of the absurd founded by Dominot, a mythical and fluid figure of the city’s underground scene. For decades, it was a crossroads of counterculture, a dreamlike realm where artists, writers, musicians, and filmmakers gathered to lose themselves in surreal, spontaneous nights. After years of inactivity, Baronato was reborn two years ago as a studio for the Salò project, evolving into a living, ever-changing artistic, musical, and performative experiment.
It is not merely a place, but a nomadic concept — a living organism that moves and adapts through site-specific performances. Its timeless atmosphere has been reimagined at Terraforma Festival (Villa Arconati), ROBOT Festival(Palazzo Re Enzo, Bologna), with NERO Editions in Milan during MiArt (2023 & 2025), and in Venice during the opening weekend of the Venice Biennale 2024, as well as abroad, including at KUNE Festival in Denmark (July 2025), on a small island off the coast of Copenhagen.
26. NOV. 2025 ⎯ h 18:00
TEATRO SPAZIO13
via Colonnello de Cristoforis, 8
⎯ talk
⎯ a seguire happening con Pasta Felicia
a cura di Leoluca Armigero
Ospiti del talk: Yvan Sagnet (attivista e scrittore camerunense), Maria Teresa Burdo (Food Trust & CSR Communication per Andriani S.P.A.), Vanessa Stringano (chef).
Ingresso gratuito con prenotazione su eventbrite.
Il cibo che scegliamo implica un costante esercizio di consapevolezza in merito al processo di produzione che lo porta sulle nostre tavole. Il concetto di sostenibilità, spesso declinato in chiave esclusivamente ambientale, apre a delle riflessioni necessarie circa il rispetto dei diritti dei lavoratori e delle lavoratrici impegnatə lungo tutta la filiera.
La trasparenza del processo produttivo diventa uno strumento essenziale per restituire valore al cibo e a chi lo produce. È un elemento fondamentale per rendere la scelta a scaffale una scelta davvero consapevole: conoscere il processo produttivo, la provenienza delle materie prime, i controlli di qualità, come viene trasformato ciò che portiamo a tavola, significa poter scegliere in modo informato e responsabile. Solo così il cibo resta un piacere autentico, capace di generare benessere, fiducia e connessione tra chi lo produce e chi lo consuma.
Ospiti del talk: Yvan Sagnet, attivista e scrittore camerunense, impegnato nella difesa dei diritti dei lavoratori agricoli e nella promozione di un modello agroalimentare etico e sostenibile; Maria Teresa Burdo, Food Trust & CSR Communication per Andriani S.P.A.; Vanessa Stringano, chef.
Seguirà happening con pasta Felicia.
Il talk è realizzato in partnership con Felicia, brand di Andriani S.p.A Società Benefit e B-Corp, specializzata nella produzione di pasta a base di materie prime innovative di alta qualità, biologiche e naturalmente prive di glutine.
The food we choose involves a constant exercise in awareness regarding the production process that brings it to our tables. The concept of sustainability, often understood solely in environmental terms, opens up necessary reflections on the respect for the rights of workers across the entire supply chain.
Transparency in the production process becomes an essential tool for restoring value to food and to those who produce it. It is a crucial element in making the choice on the shelf a truly conscious one: knowing the production process, the origin of raw materials, the quality controls, and how what we eat is transformed means being able to choose in an informed and responsible way. Only in this way can food remain an authentic pleasure — one capable of generating well-being, trust, and connection between those who produce it and those who consume it.
Talk guests: Yvan Sagnet, Cameroonian activist and writer committed to defending the rights of agricultural workers and promoting an ethical and sustainable agri-food model; Maria Teresa Burdo, Food Trust & CSR Communication for Andriani S.P.A.; and chef Vanessa Stringano.
The talk will be followed by a tasting featuring Felicia pasta.
The talk is presented in partnership with Felicia, a brand of Andriani S.P.A. Società Benefit and B-Corp, specialized in the production of high-quality pasta made from innovative raw materials — organic and naturally gluten-free.
28. NOV. 2025 ⎯ h 21:00
KURSAAL SANTALUCIA
Largo Adua, 5
⎯ performance D
Davidson prende spunto da Il Padre Selvaggio, sceneggiatura incompiuta scritta da Pier Paolo Pasolini nel 1963 e pubblicata postuma nel 1975. Mai realizzato per la sua carica politica e visionaria, questo testo diventa oggi materiale vivo per un’opera scenica che ne raccoglie l’eredità poetica e politica. Al centro, il giovane Davidson: un ragazzo nero, lucido e sensibile, proveniente da una tribù africana, che si confronta con un insegnante europeo, progressista e tormentato — alter ego dello stesso Pasolini. Il loro dialogo, fatto di attriti e incomprensioni, diventa scontro simbolico tra due visioni del mondo: quella della cultura dominante e quella di chi ne è soggetto, ma non senza consapevolezza.
Balletto Civile trasforma questa sceneggiatura ibrida e frammentaria in un’opera di teatro fisico e parola, sospesa tra scrittura e azione, tra corpo e ideologia. Davidson non è solo un personaggio, ma una presenza viva che interroga il senso della libertà, dell’educazione, della differenza. Lo spettacolo nasce da un incontro reale: quello con un “Davidson” contemporaneo, conosciuto a Modena, con cui questa creazione viene condivisa e costruita.
Balletto Civile è un collettivo di arti performative fondato nel 2003 dalla coreografa e regista Michela Lucenti, in stretta collaborazione con Maurizio Camilli, attore, autore e co-direttore artistico. La compagnia si distingue per un linguaggio fisico e corale che fonde danza, teatro e impegno civile in una forma espressiva radicale e contemporanea. Nel corso degli anni, Balletto Civile ha sviluppato un repertorio riconosciuto a livello nazionale e internazionale, collaborando con istituzioni come la Biennale di Venezia, Teatro della Tosse, ERT – Emilia Romagna Teatro, CSS FVG, Teatro Stabile di Torino e Teatro Due di Parma. Tra le produzioni più rilevanti, molte nascono dal sodalizio artistico tra Lucenti e Camilli, che ha firmato drammaturgie originali come Col sole in fronte, Loose Dogs, Davidson e Eclissi, alternando l’interpretazione alla scrittura scenica. La compagnia è attiva anche in ambito sociale, con progetti rivolti a giovani, comunità fragili e territori da rigenerare attraverso la performance. Tra i numerosi premi: Danza&Danza, Rete Critica, Hystrio Corpo a Corpo, Premio ANCT, Premio Positano Léonide Massine. Nel 2024 è uscito per Sossella Editore il volume Maledetti quei fiori, con testi firmati da Camilli, Lucenti e Serra. Balletto Civile continua a indagare il corpo come spazio politico e poetico, in un processo creativo collettivo e multidisciplinare.
Davidson takes inspiration from Il Padre Selvaggio (The Savage Father), an unfinished screenplay written by Pier Paolo Pasolini in 1963 and published posthumously in 1975. Never brought to the screen due to its political and visionary charge, the text today becomes living material for a stage work that inherits and renews its poetic and political legacy.
At its center stands the young Davidson — a Black boy, lucid and sensitive, from an African tribe — who confronts a European teacher, progressive yet tormented, an alter ego of Pasolini himself. Their dialogue, marked by friction and misunderstanding, becomes a symbolic clash between two worldviews: that of the dominant culture and that of those subjected to it, though not without awareness.
Balletto Civile transforms this hybrid, fragmentary screenplay into a work of physical and verbal theatre, suspended between writing and action, between body and ideology. Davidson is not merely a character but a living presence that questions the meaning of freedom, education, and difference. The performance stems from a real encounter — with a contemporary “Davidson” met in Modena — with whom this creation was shared and built.
Balletto Civile is a collective of performing arts founded in 2003 by choreographer and director Michela Lucenti, in close collaboration with Maurizio Camilli, actor, author, and co-artistic director. The company is known for its physical and choral language that merges dance, theatre, and civic engagement into a radical and contemporary expressive form.
Over the years, Balletto Civile has developed a repertoire recognized nationally and internationally, collaborating with institutions such as the Venice Biennale, Teatro della Tosse, ERT – Emilia Romagna Teatro, CSS FVG, Teatro Stabile di Torino, and Teatro Due di Parma.
Among its most significant productions, many arise from the artistic partnership between Lucenti and Camilli, who have created original dramaturgies such as Col sole in fronte, Loose Dogs, Davidson, and Eclissi, alternating performance with stage writing. The company is also active in the social sphere, with projects aimed at young people, vulnerable communities, and territories to be regenerated through performance.
Among numerous awards: Danza&Danza, Rete Critica, Hystrio Corpo a Corpo, Premio ANCT, and Premio Positano Léonide Massine. In 2024, Sossella Editore published Maledetti quei fiori, featuring texts by Camilli, Lucenti, and Serra.
Balletto Civile continues to explore the body as a political and poetic space within a collective, multidisciplinary creative process.
Liberamente tratto dalla sceneggiatura Il Padre Selvaggio di Pier Paolo Pasolini ⎯ Freely adapted from the screenplay Il Padre Selvaggio by Pier Paolo Pasolini / Concept e drammaturgia ⎯ Concept and dramaturgy: Maurizio Camilli / Coreografia ⎯ Choreography: Michela Lucenti / Con ⎯ With: Maurizio Camilli e Osayi Osawaru / Disegno luci ⎯ Lighting design: Vincenzo De Angelis / Disegno sonoro ⎯ Sound design: Andrea Gianessi / Datore luci ⎯ Light technician: Francesco Traverso / Lorenzo Diofili / Assistente alla regia ⎯ Assistant director: Ambra Chiarello / Assistente alla coreografia ⎯ Assistant choreographer: Francesco Collavino / Produzione ⎯ Production: Balletto Civile, in collaborazione con ⎯ in collaboration with: ERT Emilia Romagna Teatro / Teatro Nazionale / focus CARNE / Con il sostegno di ⎯ With the support of: ICK (Amsterdam) e Ministero della Cultura Italiana – MiC
29. NOV. 2025 ⎯ h 22:00
TEATRO SPAZIO13
Via Colonnello de Cristoforis, 8
⎯ performance M
Fucksia sono Mariana Mona Oliboni, Marzia Stano, Poppy Pellegrini.
Figlie del caso e madri del caos, transfemministe e orgogliosamente queer, sono la combinazione perfetta di attitudine punk, suoni techno e psichedelici. La loro musica è un trittico di adrenalina, passione ed energia rivoluzionaria. Tre musiciste, cantanti e performer, produttrici di musica elettronica e amanti della contaminazione, hanno creato questo progetto aperto a continue collaborazioni con artiste visive, stiliste e videomaker, per lo più realtà femminili e soggettività fluide.
Mariana Mona Oliboni, aka Mona/Stereo, originaria del Brasile e milanese d’adozione, è approdata al mondo della performance live con UPnea, un progetto al femminile che mescolava circo, musica e teatro. Trascende i confini delle arti performative integrando strumenti musicali insoliti come la sega, distorsioni, make-up speciale e videoarte. Nel 2014 fonda il duo Dadi Etro con Riki e nel 2016 entra nella band teknopunk Killanation come vocalist e tastierista. Dopo la tragica e prematura scomparsa di Riki, suo partner artistico e di vita, Mariana trasforma il suo dolore interiore in forme alchemiche di vetro: si trasferisce a Murano (Venezia) dove, insieme alla sua migliore amica e partner, fonda la prima fabbrica di arte vetraria gestita da donne, the rebel glassmakers, e il progetto Glass Groove.
Poppy, aka Circuit Element, inizia la sua esperienza musicale come chitarrista e bassista nella band Jolaurlo (2005-2010). Nel 2012 si trasferisce a Berlino, tappa cruciale per la sua crescita musicale e professionale, dove fonda la crew OSTeRIOT con cui inizia a suonare musica elettronica e techno in centri sociali, club e rave della scena underground berlinese. Collabora con realtà della scena queer come LaRoboterie (Roma).
Marzia Stano è una parte orgogliosamente attiva della comunità queer. Inizia a suonare fin da giovane e fonda la band indie-electro Jolaurlo. Nel 2013 dà vita al suo progetto solista con l’album d’esordio Una, nessuna, centomila, prodotto da Giacomo Fiorenza (I Cani, Colapesce, Cosmo ecc.), con cui intraprende un tour europeo che tocca Parigi, Londra, Berlino, Lussemburgo, Bruxelles e gli Stati Uniti per il festival Hit Week. Ha aperto concerti per Siouxie, Skunk Anansie, Cat Power, Franco Battiato. Nel 2016 parte in tour come batterista e tastierista della cantante Angela Baraldi, mentre scrive il suo terzo album solista AcidaBasicaErotica, un disco con collaborazioni di rilievo internazionale come i rapper canadesi Random Recipe e il maltese Mc Phil West. È produttrice e direttrice artistica dell’area musica per l’associazione culturale e club Elastico a Bologna ed è cofondatrice di Elastico Records, la prima etichetta apertamente transfemminista in Italia. Fa parte del progetto Donna Circo, una rivisitazione del primo disco femminista italiano (1974), uscito nel giugno 2021 per La Tempesta Dischi.
Fucksia are Mariana Mona Oliboni, Marzia Stano, and Poppy Pellegrini.
Daughters of chance and mothers of chaos — transfeminist and proudly queer — they are the perfect combination of punk attitude and techno-psychedelic sound. Their music is a triptych of adrenaline, passion, and revolutionary energy. Three musicians, singers, and performers, electronic music producers and lovers of artistic cross-pollination, they created this project as an open platform for ongoing collaborations with visual artists, designers, and videomakers — mostly female and fluid identities.
Mariana Mona Oliboni, aka Mona/Stereo, originally from Brazil and now based in Milan, entered the world of live performance with UPnea, an all-female project blending circus, music, and theatre. She transcends the boundaries of performance art by integrating unconventional instruments such as the musical saw, distortion, special make-up, and video art. In 2014 she founded the duo Dadi Etro with Riki, and in 2016 joined the techno-punk band Killanation as vocalist and keyboardist. After the tragic, premature death of Riki — her artistic and life partner — Mariana transformed her grief into alchemical forms of glass: she moved to Murano (Venice), where she and her best friend and partner founded The Rebel Glassmakers, the first women-run glass art factory, and the project Glass Groove.
Poppy, aka Circuit Element, began her musical journey as a guitarist and bassist in the band Jolaurlo (2005–2010). In 2012 she moved to Berlin — a pivotal step in her artistic and professional growth — where she founded the crew OSTeRIOT, with whom she began performing electronic and techno music in social centers, clubs, and raves within Berlin’s underground scene. She also collaborates with queer collectives such as LaRoboterie (Rome).
Marzia Stano is a proudly active member of the queer community. She began playing music at a young age and went on to found the indie-electro band Jolaurlo. In 2013, she launched her solo project with the debut album Una, nessuna, centomila, produced by Giacomo Fiorenza (I Cani, Colapesce, Cosmo, etc.), which led to a European tour with stops in Paris, London, Berlin, Luxembourg, Brussels, and the United States for the Hit Week festival. She has opened concerts for artists such as Siouxsie, Skunk Anansie, Cat Power, and Franco Battiato.
In 2016, she toured as drummer and keyboardist for singer Angela Baraldi while writing her third solo album AcidaBasicaErotica, featuring international collaborations with the Canadian rappers Random Recipe and Maltese MC Phil West.
She is a producer and music director for the cultural association and club Elastico in Bologna, and co-founder of Elastico Records, Italy’s first openly transfeminist record label. She is also part of Donna Circo, a reimagining of the first Italian feminist album (1974), released in June 2021 by La Tempesta Dischi.
01. DEC. 2025 ⎯ h 18:00
EX TESORERIA DEL COMUNE DI BARI
via Roberto da Bari, 1
⎯ public program
BIG e Puglia Culture in collaborazione con il Garante dei diritti delle persone con disabilità della Regione Puglia e il Comune di Bari
Da anni il tema dell’accessibilità fuori e dentro la scena attraversa le nostre pratiche in un confronto generativo costante con le persone che vivono la disabilità. Partendo dall’esperienza raccolta, sono stati avviati dei tavoli collettivi con l’Ens e con Unione ciechə e ipovedenti, con l’intenzione di raccogliere istanze, desideri e bisogni rispetto alla fruizione dello spettacolo dal vivo. Dialogheremo su quanto emerso, in questa occasione pubblica, con Antonio Giampietro Garante dei diritti delle persone con disabilità, e Valentina Tafuni, attivista per i diritti umani e dottoranda in Studi di genere.
ari International Gender Festival and Puglia Culture, in collaboration with the Ombudsperson for the Rights of Persons with Disabilities of the Puglia Region and the Municipality of Bari.
For years, the theme of accessibility — both on and off stage — has been central to our practice, in a continuous and generative dialogue with people living with disabilities. Building on this experience, we have initiated collective working groups with ENS (National Agency for the Deaf) and the Union of Blind and Visually Impaired People, with the aim of gathering perspectives, desires, and needs related to the accessibility of live performance.
In this public discussion, we will reflect on the outcomes together with Antonio Giampietro, Ombudsperson for the Rights of Persons with Disabilities, and Valentina Tafuni, human rights activist and PhD candidate in Gender Studies.
02. DEC. 2025 ⎯ h 21:00
NUOVO TEATRO ABELIANO
via Padre Massimiliano Kolbe, 3
⎯ performance T
In collaborazione con ResExtensa Centro nazionale di Produzione della danza
Temporale indaga l’inquietudine del tempo presente attraverso gesti, corpi, suoni e atmosfere che si fanno paesaggio interiore. Lo spettacolo è strutturato in una serie di quadri emotivi, in cui le parole tratte dai Sonetti della Disperazione di Ilenia Caleo — ispirati a La forma delle nuvole di Goethe — diventano materia scenica, fisica, e visiva.
L’ambientazione richiama gli spazi surreali e claustrofobici delle Backrooms digitali: stanze dai colori saturi, moquette umida, carta da parati e luci al neon intermittenti. Un senso di spaesamento: luoghi quasi-realtà che evocano nostalgie e minacce non ben definite. I corpi in scena oscillano tra atonia, tremore, sottomissione: figure che si piegano sotto il peso del sentire, sotto la perturbazione emotiva, come se affrontassero perturbazioni atmosferiche interiori. Malinconia, sconforto, stupore, desolazione: sentimenti resi tangibili da movimenti corporei che sembrano mutare il paesaggio stesso. A lesbian tragedy è la condizione affettiva e politica che attraversa lo spettacolo: non tanto una storia lineare, quanto l’intensità dei legami tra donne, un tessuto di relazioni, desideri e ferite che attraversa il presente.
Silvia Calderoni è performer e attrice. Lavora con Motus dal 2006, con cui ha realizzato numerosi spettacoli di grande impatto internazionale. La sua ricerca artistica attraversa teatro, cinema, performance e arti visive, con una forte attenzione ai temi dell’identità, del corpo e della trasformazione.
Ilenia Caleo è performer, attivista e ricercatrice. Si occupa di teoria del corpo, politiche della performance e femminismi. Collabora con diversi progetti artistici e collettivi, ed è attiva nella scena transfemminista e queer italiana. È docente e ricercatrice presso l’Università IUAV di Venezia.
Insieme, Calderoni e Caleo danno vita a progetti che intrecciano pratiche artistiche e politiche, creando spazi di interrogazione del presente attraverso il linguaggio del corpo, della poesia e della performance.
Temporale explores the unease of the present time through gestures, bodies, sounds, and atmospheres that become an inner landscape. The performance unfolds in a series of emotional tableaux, where words drawn from Ilenia Caleo’s Sonnets of Despair — inspired by Goethe’s The Form of Clouds — take on scenic, physical, and visual form.
The setting evokes the surreal and claustrophobic spaces of digital Backrooms: rooms with saturated colors, damp carpets, wallpaper, and flickering neon lights. A sense of disorientation permeates the scene — almost-real places that evoke indistinct nostalgia and threat. The bodies on stage oscillate between atony, trembling, and submission: figures bending under the weight of emotion, under inner atmospheric disturbances. Melancholy, dismay, wonder, desolation — feelings made tangible through bodily movements that seem to transform the landscape itself.
A lesbian tragedy defines the emotional and political condition running through the piece: not a linear story, but an intensity of bonds between women — a fabric of relationships, desires, and wounds that traverse the present.
Silvia Calderoni is a performer and actor. She has worked with Motus since 2006, creating numerous internationally acclaimed performances. Her artistic research moves between theatre, cinema, performance, and visual arts, with a strong focus on identity, the body, and transformation.
Ilenia Caleo is a performer, activist, and researcher working on body theory, performance politics, and feminisms. She collaborates with various artistic and collective projects and is active in the Italian transfeminist and queer scene. She teaches and conducts research at IUAV University of Venice.
Together, Calderoni and Caleo create works that intertwine artistic and political practices, crafting spaces that question the present through the languages of the body, poetry, and performance.
Ideazione e regia ⎯ Concept and direction: Silvia Calderoni & Ilenia Caleo / Con ⎯ With: Silvia Calderoni, Ilenia Caleo, Ondina Quadri, Francesca Turrini / Drammaturgia sonora e musica ⎯ Sound dramaturgy and music: Martina Ruggeri / Testi ⎯ Texts: Sonnets of Despair by Ilenia Caleo, inspired by The Form of Clouds by J. W. Goethe / Consulenza organizzativa ⎯ Organizational consultancy: Elisa Bartolucci / Produzione ⎯ Production: VIELNURVIEL (Ghent); Motus Vague; ERT Emilia Romagna Teatro Fondazione – Teatro Nazionale / Con il sostegno di ⎯ With the support of: Passo Nord; Atelier Sì – Bologna; Lavanderia a Vapore – Dance Residency Centre, Collegno (TO); Istituto Italiano di Cultura – Paris; Comune di Pesaro and AMAT/RAM – Residenze Artistiche Marchigiane / Residenze artistiche ⎯ Artistic residencies: PARC Performing Arts Research Centre – Florence; BASE Milano; Centrale Fies – Dro (TN) / Ringraziamenti ⎯ Special thanks: Alessandra Indolfi, Roberta Indolfi, Paola Granato, Eva Bruno, Vilma Carlini, Ulisse Poggioni
04. DEC. 2025 ⎯ h 20:30
SPAZIO13
Via Colonnello de Cristoforis, 8
⎯ performance T
Home Sweet Home – IbridA è una performance che indaga il concetto di “casa” come spazio fisico, relazionale e corporeo. Ogni essere vivente ha diritto a una casa sulla terra che abitiamo, ma quanti possono dirsi davvero accolti e al sicuro nella propria? Come scrive Audre Lorde, è necessario ripensare spazi e relazioni nel desiderio di una convivenza tra culture e specie. Nella versione site-specific creata per BIG, la ricerca si concentra sulla casa-corpo: è il corpo, con i suoi limiti e i suoi sconfinamenti, la prima casa da accogliere e abitare. Una casa che può solo pensarsi IbridA per poter esistere, vivere in relazione, accogliendo in sé la molteplicità dei corpi, delle specie e delle identità che la attraversano.
La performance si articola in due momenti: un camminamento esplorativo attraverso luoghi quotidiani — strade, vicoli, stanze — animato da una figura “altra”, sospesa tra animale e vegetale; e una seconda parte in un luogo di raccolta, dove prende forma un grande nido-installazione. Qui il pubblico è invitato a entrare in relazione con l’azione, in un’esperienza di movimento, installazione e suono.
Iula A Marzulli è un’artista multidisciplinare indipendente nel campo delle arti teatrali e performative. Dopo una lunga esperienza nel teatro partecipativo, inteso anche nella sua funzione di dialogo e ricerca tra le culture, approda alla performance art come strumento di azione nella comunità. La sua ricerca sviluppa la relazione con l’elemento naturale e selvatico creando azioni dal forte impatto poetico ed evocativo. Ricerca sul movimento, stimolazioni sonore, installazioni e fotografia sono alcuni dei segni che informano il suo percorso. Con La Cuspide Malva conduce un’attenta esplorazione su canto, memoria e trasformazione. La sua pratica è attraversata anche dall’esperienza del Qi Gong, disciplina di cui è insegnante certificata, e dalla scrittura poetica: Ogni cosa brucia è il suo primo libro, edito da Nulla Die.
Home Sweet Home – IbridA is a performance that explores the idea of “home” as a physical, relational and bodily space. Every living being has the right to a home on the earth we share, yet how many can truly say they feel welcomed and safe in their own? As Audre Lorde writes, rethinking spaces and relationships is essential if we hope to imagine forms of coexistence between cultures and species.
In the site-specific version created for BIG, the focus shifts to the home-body: the body, with its limits and its overflows, is the first home we must welcome and inhabit. A home that can only imagine itself as HybridA in order to exist and relate, embracing within itself the multiplicity of bodies, species and identities moving through it.
The performance unfolds in two parts: an exploratory walk through everyday places — streets, alleys, rooms — animated by an “other” figure, suspended between animal and vegetal; and a second part in a gathering space, where a large nest-installation takes shape. Here the audience is invited to enter into relation with the action, in an experience woven from movement, installation and sound.
Iula A Marzulli is an independent multidisciplinary artist working in theatre and performance. After a long experience in participatory theatre — also understood as a tool for dialogue and intercultural research — she moved towards performance art as a means of acting within communities. Her artistic practice develops a deep relationship with the natural and wild elements, creating actions with strong poetic and evocative impact. Movement research, sound stimuli, installations and photography are some of the marks that shape her path. With La Cuspide Malva, she carries out an attentive exploration of voice, memory and transformation. Her practice also draws on her experience with Qi Gong, a discipline in which she is a certified teacher, and on poetic writing: Ogni cosa brucia is her first book, published by Nulla Die.
by and with Iula A. Marzulli
05. DEC. 2025 ⎯ h 21:00
TEATRO KISMET
Strada S. Giorgio Martire, 22F
⎯ performance T
L’installazione presenta audio a volumi elevati e immagini ad alta frequenza che sono sconsigliate a chi è affetto da epilessia, cardiopatia e a persone fotosensibili.
È sconsigliata la visione a minori di 12 anni.
L’installazione si basa sulla rappresentazione spettrale di tutti i nomi; una sequenza della totalità dei sostantivi del vocabolario italiano proiettati uno a uno, che rappresentano potenzialmente tutti gli oggetti della realtà dotati di un nome. La velocità di sequenza è commisurata alla capacità retinica e mnestica di trattenere una parola che appare nel baleno di un ventesimo di secondo. Si tratta di comprimere lo sguardo sul punto critico di fusione, poco prima della perdita dell’aggancio percettivo, nello sfarfallamento che sfugge alla netta distinzione dei singoli termini. Il frenetico e liminale susseguirsi delle parole fa sì che alcune di esse rimangano impresse nella corteccia visiva di ciascun spettatore; altre – la maggioranza – andranno perse. Il pubblico, esposto a questo trattamento, subisce la parola umana sotto l’aspetto della quantità. Non il cosa, ma il quanto.
L’affastellarsi frenetico delle nominazioni non lascia nessuno spazio alla scelta o al discernimento. Il nucleo del linguaggio ritorna al rumore bianco, che riporta al caos. Il Terzo Reich è l’immagine di una comunicazione inculcata e obbligatoria, la cui violenza è pari alla pretesa di uguaglianza. Qui, il linguaggio-macchina esaurisce interi ambiti di realtà, là dove i nomi appaiono uguali nella loro serialità meccanica, come fossero i blocchi edilizi di una conoscenza che non lascia scampo. Ogni pausa è abolita, occupata. La pausa, cioè l’assenza delle parole, diventa il campo di battaglia per l’aggressione militare delle parole, e i nomi del vocabolario così proiettati, sono le bandiere piantate in una terra di conquista.
Precede la proiezione un’azione simbolica in cui una performer darà vita a un cerimoniale di “accensione” del linguaggio. Il suono che accompagna l’installazione, composto da Scott Gibbons, sarà apodittico.
Romeo Castellucci (Cesena, 1960) regista, artista visivo e autore teatrale, è uno dei più importanti e radicali innovatori della scena teatrale contemporanea. Fondatore, insieme a Claudia Castellucci, Chiara Guidi e Paolo Guidi, della compagnia Socìetas Raffaello Sanzio nel 1981 (oggi Socìetas), ha costruito un linguaggio teatrale fortemente visivo, plastico e sensoriale, capace di rompere i codici narrativi tradizionali a favore di un’esperienza immersiva e perturbante.
La sua opera spazia tra teatro, musica, filosofia e arti visive, con messinscene che hanno fatto il giro dei più importanti festival e teatri internazionali (Avignon, Ruhrtriennale, Festival d’Automne, Wiener Festwochen, Théâtre de la Ville, Holland Festival, etc.). Tra i suoi lavori più noti: Tragedia Endogonidia (2002-2004), Inferno, Purgatorio, Paradiso (liberamente ispirati alla Divina Commedia), On the Concept of the Face, Regarding the Son of God (2011), Go Down, Moses (2014), Democracy in America (2017), Bros (2019), Requiem (2020) e Giudizio, Possibilità, Essere (2023).
Castellucci è noto per affrontare tematiche complesse e universali — religione, identità, violenza, linguaggio, potere — attraverso un’estetica potente e spesso disturbante, dove suono, luce, corpi e simboli convivono in tensione. È stato direttore della sezione teatro della Biennale di Venezia nel 2005 e ha ricevuto numerosi riconoscimenti, tra cui il Premio Europa per il Teatro (2013) e il Leone d’Oro alla carriera alla Biennale di Venezia nel 2013.
Il suo lavoro continua a influenzare registə, performer e artistə visivə in tutto il mondo, imponendosi come un punto di riferimento imprescindibile del teatro contemporaneo europeo.
The installation is based on the spectral representation of all names — a sequence of every noun in the Italian language, projected one by one, potentially encompassing all named objects of reality. The speed of projection is calibrated to the retinal and mnemonic capacity required to retain a word that appears in the flash of a twentieth of a second. The gaze is thus compressed toward the critical point of fusion, just before perceptual grip is lost — in the flickering where the distinction between single terms dissolves.
This frenetic, liminal succession of words ensures that some remain imprinted on the viewer’s visual cortex, while most are lost. The audience, exposed to this experience, undergoes the human word in its quantitative rather than qualitative dimension. Not what, but how much. The frantic piling-up of names leaves no room for choice or discernment. The core of language returns to white noise — back to chaos.
Il Terzo Reich (The Third Reich) is the image of communication as indoctrination, a form of enforced equality whose violence equals its claim to sameness. Here, the machine-language exhausts entire realms of reality, as words appear identical in their mechanical seriality — like the prefabricated blocks of a knowledge that allows no escape. Every pause is abolished, occupied. The pause — the absence of words — becomes the battlefield for the military assault of words, and the names projected from the dictionary become flags planted in a conquered land.
The projection is preceded by a symbolic action in which a performer enacts a ritual of ignition of language. The sound accompanying the installation, composed by Scott Gibbons, is apodictic.
Romeo Castellucci (Cesena, 1960), theatre director, visual artist, and playwright, is one of the most important and radical innovators of contemporary theatre. Founder, together with Claudia Castellucci, Chiara Guidi, and Paolo Guidi, of the company Socìetas Raffaello Sanzio in 1981 (today Socìetas), he has developed a highly visual, plastic, and sensorial theatrical language that breaks traditional narrative codes in favour of an immersive and unsettling experience.
His work spans theatre, music, philosophy, and visual arts, with productions presented in the world’s leading theatres and festivals — including Avignon, Ruhrtriennale, Festival d’Automne, Wiener Festwochen, Théâtre de la Ville, and Holland Festival. Among his best-known works are Tragedia Endogonidia (2002–2004), Inferno, Purgatorio, Paradiso (freely inspired by The Divine Comedy), On the Concept of the Face, Regarding the Son of God (2011), Go Down, Moses (2014), Democracy in America (2017), Bros (2019), Requiem (2020), and Giudizio, Possibilità, Essere (2023).
Castellucci is known for confronting complex and universal themes — religion, identity, violence, language, and power — through a striking and often disquieting aesthetic, where sound, light, bodies, and symbols coexist in tension. He served as director of the theatre section of the Venice Biennale in 2005 and has received numerous awards, including the Europe Theatre Prize (2013) and the Golden Lion for Lifetime Achievement at the Venice Biennale (2013).
His work continues to influence directors, performers, and visual artists worldwide, establishing him as a vital reference point in contemporary European theatre.
Suoni ⎯ Sound: Scott Gibbons / Coreografia ⎯ Choreography: Gloria Dorliguzzo / Interpretazione ⎯ Performance: Gloria Dorliguzzo / Realizzazione video ⎯ Video production: Luca Mattei in collaborazione con ⎯ in collaboration with: Giulia Colla / Consulenza informatica ⎯ IT consultancy: Alessandro Colla / Direzione di produzione ⎯ Production management: Benedetta Briglia / Produzione e tour ⎯ Production and tour management: Caterina Soranzo/ Direzione tecnica ⎯ Technical direction: Eugenio Resta / Responsabili tecnicə in tour ⎯ Touring technical managers: Isadora Giuntini, Andrea Sanson, Claudio Tortorici / Produzione ⎯ Production: Socìetas
05. DEC. 2025 ⎯ h 23:00
FOYER TEATRO KISMET
Strada S. Giorgio Martire, 22F
⎯ DJ set
Giuseppe Scaccia, aka D-Leria, è un virtuoso del suono in studio e un creatore di caos sulla pista da ballo. Inizia come DJ nel 2001, per poi affermarsi come producer di fama internazionale nella scena Hardcore, diventando presenza fissa nei principali festival europei, soprattutto nei Paesi Bassi.
Nel 2014 fonda il progetto D-Leria e pubblica una serie di EP che segnano l’evoluzione del suo stile. Nello stesso periodo assume anche la direzione dell’etichetta Delirio, piattaforma dedicata a talenti d’avanguardia e alla registrazione live autentica. Trasferitosi a Berlino, lavora per cinque anni al suo album d’esordio Driving to Nowhere, un capolavoro sonoro che attira l’attenzione di figure di spicco della musica elettronica.
La sua traiettoria musicale continua con uscite su etichette come Avian, Semantica, Non Series, Sublunar e Monument, oltre a numerosi remix, EP e collaborazioni. Negli ultimi anni D-Leria ha portato il suo live set in club e festival di tutto il mondo, approdando su nuovi continenti e palchi iconici. Il culmine di questo percorso arriva con il live set modulare presentato al HALL Festival di Tallinn nel 2022, seguito da un tour internazionale nel 2023 che tocca venue e festival come Tresor Berlin, Khidi Tbilisi, Radion Amsterdam, Freedom Festival Medellín, Gare Porto, Closer Milano, Ratherlost Amsterdam e UTD Festival Białystok.
Giuseppe Scaccia, aka D-Leria, is a virtuoso of sound in the studio and a creator of chaos on the dance floor. He began his career as a DJ in 2001, later establishing himself as an internationally renowned producer within the Hardcore scene, becoming a regular presence at major European festivals — particularly in the Netherlands.
In 2014, he founded the D-Leria project and released a series of EPs that marked the evolution of his style. During the same period, he also took the helm of Delirio, a label dedicated to avant-garde talents and authentic live recording. After relocating to Berlin, he spent five years developing his debut album Driving to Nowhere, a sonic masterpiece that caught the attention of key figures in the electronic music world.
His musical trajectory has continued with releases on labels such as Avian, Semantica, Non Series, Sublunar, and Monument, alongside numerous remixes, EPs, and collaborations. In recent years, D-Leria has taken his live set to clubs and festivals across the globe, performing on new continents and iconic stages. The culmination of this journey came with his modular live set premiered at HALL Festival in Tallinn in 2022, followed by an international tour in 2023 that included venues and festivals such as Tresor Berlin, Khidi Tbilisi, Radion Amsterdam, Freedom Festival Medellín, Gare Porto, Closer Milano, Ratherlost Amsterdam, and UTD Festival Białystok.
⎯ opening set
M.P. – Monica Pastore, clubber prima, DJ poi, partecipa attivamente alla scena Burn, queer, kinky e sex positive tra UK, Germania, Paesi Bassi e Spagna. È proprio in questi eventi che esplora la magia della consolle, dando ai suoi set l’energia di una clubber sotto cassa. La sua selezione musicale spazia dalla UK Bass Music alla psy-tech berlinese. Il basso che vibra l’anima è la conditio sine qua non dei suoi set.
M.P. – Monica Pastore, first a clubber and then a DJ, is an active participant in the Burn, queer, kinky, and sex-positive scenes across the UK, Germany, the Netherlands, and Spain. It was within these spaces that she first explored the magic of the DJ booth, infusing her sets with the raw energy of a true clubber standing under the speakers.
Her musical selection ranges from UK bass music to Berlin-style psy-tech, with one essential constant: a bassline that vibrates through the soul — the conditio sine qua non of her sets.
05./14./19. NOV. / 5. DEC. 2025
ON AIR ⎯ RADIO UNIBA
Si sta nel caos: i Dialoghi sul BIG 2025 viaggiano nell’etere e diventano BIG RadioUniba.
Attraverso la piattaforma della Radio dell’Università degli Studi di Bari Aldo Moro e in collaborazione con l’Archivio di Genere “Carla Lonzi”, la parola dialogica navigherà nell’Internet al di qua e al di là dello schermo nero, grazie a talk e interviste che avranno il formato del podcast da ascoltare in streaming e in presenza nella sede di RadioUniba ubicata al piano terra del Palazzo delle Poste (ingresso Via Garruba) o successivamente online. Tra interferenze e nuove sintonie.
Dwelling in chaos: the Dialoghi sul BIG 2025 travel through the ether and become BIG RadioUniba.
Through the platform of the University of Bari Aldo Moro’s Radio and in collaboration with the “Carla Lonzi” Gender Archive, dialogic speech will navigate the Internet — on both sides of the black screen — through talks and interviews in podcast format, available for streaming and live listening at the RadioUniba headquarters on the ground floor of Palazzo delle Poste (entrance from Via Garruba), or later online. Between interference and new frequencies.
Durante tutti gli appuntamenti del festival, compilando un form, il pubblico potrà partecipare alla scrittura e raccolta dei significati personali e collettivi della parola CAOS, attraverso la WAVEpulse.
WAVE (Words in Action for a Verbal Evolution) è un OSSERVATORIO PER LA CREAZIONE DI UN LINGUAGGIO PER UNA NUOVA UMANITÀ.
Le WAVEpulse rappresentano un sistema di risonanza che trasforma vibrazioni e significati, in un invito potente all’azione collettiva volta a creare immaginari e linguaggi nuovi. Si tratta di “cassette della posta” create con stampante 3D con filamento di plastica riciclata, che servono per intercettare significati nuovi, domande urgenti e futuri possibili. La scrittura come atto radicale di immaginazione collettiva.
WAVE è un progetto di Everything is Connected APS.
Durante gli appuntamenti a Spazio 13 sarà presente la libreria Un Panda sulla Luna con una selezione di editoria queer.
Durante gli appuntamenti al Teatro Kismet sarà presente una selezione di libri a cura di Luca Musacchio.
During all the festival events, by filling out a form, the audience will be able to take part in the writing and collection of personal and collective meanings of the word CHAOS, through the WAVEpulse.
WAVE (Words in Action for a Verbal Evolution) is an OBSERVATORY FOR THE CREATION OF A LANGUAGE FOR A NEW HUMANITY.
The WAVEpulses represent a system of resonance that transforms vibrations and meanings into a powerful invitation to collective action aimed at creating new imaginaries and languages. They are “mailboxes” created with a 3D printer using recycled plastic filament, designed to capture new meanings, urgent questions, and possible futures.
Writing as a radical act of collective imagination.
WAVE is a project by Everything is Connected APS.
During the events at Spazio 13, the bookstore Un Panda sulla Luna will be present with a selection of queer publications.
During the events at Teatro Kismet, there will be a selection of books curated by Luca Musacchio.
